Il 25 aprile 2026 riapre al pubblico OCA – Oasy Contemporary Art and Architecture, il progetto di Oasi Dynamo che negli ultimi tre anni ha portato arte e architettura contemporanee sull’Appennino Pistoiese, con un percorso immerso nella natura tra installazioni di artisti internazionali e uno spazio espositivo, dedicato a mostre d’arte e di fotografia. Sotto la direzione artistica di Emanuele Montibeller, OCA è cresciuta di anno in anno, offrendo un’esperienza unica in cui opere e paesaggio dialogano con boschi, radure e crinali, invitando i visitatori a scoprire una natura non più scenario, ma interlocutore attivo.

In questo paesaggio in continua trasformazione, il percorso permanente nell’oasi non vuole essere un semplice museo all’aperto né un parco di sculture, ma un progetto curatoriale unitario,

dove ogni intervento nasce dal confronto con il luogo e ne ridefinisce la percezione.

Per la stagione 2026, OCA accoglie una nuova presenza internazionale: l’artista belga Arne Quinze, che porta a Oasi Dynamo Ceramorphia, un’opera che va ad aggiungersi al percorso nella natura, e presenta nello spazio espositivo la mostra personale I’m a Gardener, che approfondisce la sua ricerca sul rapporto tra uomo e biodiversità.

Arne Quinze a OCA

L’installazione di Arne Quinze Ceramorphia, già presentata alla Biennale di Venezia del 2024, offre un dialogo profondo con il paesaggio

dell’Appennino Pistoiese: più che un oggetto, l’opera si configura come un dispositivo di pensiero, capace di instaurare una dinamica osmotica con l’ambiente circostante, senza imporsi né aderire passivamente al contesto. Le forme ceramiche evocano una “natura altra”: non la riproduzione del mondo naturale, ma una sua riformulazione. Steli, germinazioni e crescite spontanee sono attraversati da un’intenzionalità che ne altera la logica originaria. Ceramorphia non rappresenta la natura, ma ne mette in scena la trasformazione attraverso lo sguardo e l’azione dell’uomo, invitando a riflettere sulla condizione contemporanea: mai come oggi l’essere umano incide sui sistemi naturali, e mai come oggi ne appare così distante.

La personale che si tiene contemporaneamente, I’m a Gardener, è allestita nello spazio espositivo di OCA e presenta una selezione di dipinti e lavori su tela che esplorano il rapporto tra uomo e natura. Le superfici, attraversate da tensioni cromatiche e stratificazioni dinamiche, non descrivono il paesaggio, ma ne restituiscono l’energia vitale, tra crescita, collisioni e metamorfosi. Pittura e installazione si rivelano così due manifestazioni dello stesso nucleo creativo: un’indagine sulla forza generativa della vita e sulla necessità di riportare equilibrio e varietà negli spazi abitati dall’uomo.

Artista di fama internazionale, Quinze ha sviluppato una ricerca coerente sulla relazione tra natura e spazio antropizzato. Dopo gli esordi nella scena della Graffiti Art negli anni Ottanta, la

sua pratica si è evoluta attraverso grandi installazioni pubbliche e cicli pittorici presentati in musei e contesti internazionali. Al centro del suo lavoro vi è il giardino di fiori selvatici che circonda il suo atelier in Belgio, un laboratorio vivente osservato da oltre trent’anni secondo logiche autonome: è da questa immersione quotidiana nella biodiversità che nasce una pratica che trova in OCA un contesto ideale di confronto diretto con il paesaggio.

La mostra I’m a Gardener sarà accompagnata da un catalogo edito da Metilene.

Il percorso nella riserva

Con l’ingresso dell’opera di Arne Quinze, il percorso di OCA, articolato come itinerario che attraversa la riserva, si arricchisce di una nuova presenza internazionale, confermando il carattere dinamico e in continua trasformazione del progetto.

Il cammino tra boschi e radure offre l’incontro con opere che dialogano con il paesaggio in modi sorprendenti. Il Dynamo Pavilion di Kengo Kuma si insinua tra le piante come una folata di vento, mentre Nella terra il cielo di Mariangela Gualtieri e Michele De Lucchi intreccia poesia e architettura, in una riflessione su mito e memoria. Più avanti, Fratelli Tutti di Matteo Thun invita alla contemplazione tramite monoliti in pietra locale disposti in forma circolare, simbolo di unità e ciclicità della vita. Erosions di Quayola, composta da blocchi di pietra lavica lavorati da algoritmi generativi, mette in luce la tensione tra forza naturale e intervento tecnologico, mentre Self-regulation di Alejandro Aravena trasforma una struttura preesistente in un invito a ripensare le modalità dell’abitare. Completano il percorso Home of the World di David Svensson e la colorata Plastic Bags di Pascale Marthine Tayou, ormai parte integrante della collezione permanente.

Nel corso dell’estate, il progetto si arricchirà ulteriormente con due nuove opere. Il collettivo fuse* presenterà Vanishing Horizon, un’installazione in acciaio corten che rende percepibile la condizione limite dei buchi neri e il rapporto tra ciò che possiamo osservare e ciò che resta oltre. L’opera traduce in materia le traiettorie della luce vicino a questi fenomeni estremi, creando uno spazio attraversabile che invita il visitatore a confrontarsi con la soglia tra conoscibile e immaginabile.

A questa dimensione cosmica si affiancherà la nuova opera di Stefano Boeri, Deus Sive Natura – What I Believe, realizzata nell’ottocentesimo anniversario della morte di San Francesco d’Assisi. L’opera consiste in un inginocchiatoio in marmo bianco di Carrara lungo dieci metri, orientato verso l’orizzonte, che si inserisce nel paesaggio dell’Appennino come invito alla contemplazione. Non si presenta come un monumento, ma come un gesto minimo e universale: inginocchiarsi davanti alla natura, riconoscendola come interlocutore e trasformandola in un tempio panteista. Il progetto si ispira al Cantico delle creature di San Francesco, al credo laico What I Believe di J.G. Ballard e, più in generale, al panteismo spinoziano, secondo cui Dio e l’Universo sono la medesima sostanza immanente e necessaria.

Sotto la direzione artistica di Montibeller, OCA continua così a svilupparsi come un organismo vivo: ogni nuova installazione ridefinisce il ritmo del cammino, moltiplica le relazioni tra opera e paesaggio e rafforza l’esperienza immersiva che distingue il progetto.

OCA, che fa parte del network Grandi Giardini Italiani, sarà visitabile dal 25 aprile al 1 novembre 2026, dal giovedì alla domenica, ore 10.00 – 18.00. Per il solo mese d’agosto la visita si potrà fare anche il mercoledì, sempre nel solito orario. L’ingresso alla mostra è gratuito, mentre il percorso guidato nel parco ha un costo di 20,00 € (gratuito per i bambini fino ai 10 anni) e si può effettuare solo su prenotazione, agli orari consultabili sul sito web: www.oasycontemporaryart.com.

Al Centro Visitatori della riserva, sarà in funzione il ristorante bistrot Casa Luigi che, su prenotazione, offrirà proposte gastronomiche di assoluta qualità. I visitatori potranno usufruirne oppure godere del prato e degli spazi all’aperto.

Informazioni
OCA Oasy Contemporary Art and Architecture
Parcheggio per visitatori SP 633 n° 15, località Piteglio (PT)
Tel. 0573 1716197
Orario: 10.00 – 18.00
Ingresso mostra: gratuito
Ingresso percorso guidato nella riserva, solo su prenotazione: intero 20,00 €, bambini fino ai 10 anni gratuito
www.oasycontemporaryart.com

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In occasione della Milano Design Week 2026, nel cuore del Brera Design District, la Fondazione e l’Ordine degli Architetti PPC di Milano ospitano – nella propria sede di via Solferino 17 – Ordine Aperto, una mostra sulla città di Milano, con progetti, prototipi e lavori inerenti differenti scale del progetto, favorendo il dialogo tra ricerca, produzione culturale e i molteplici volti della professione dell’architetto.

Tra gli altri, la mostra presenta “Postcards from Growing By Numbers”, di Paolo Cesaretti e Antonella Dedini, un trittico light-box che – attraverso foto e video – documenta “Growing By Numbers”, una installazione luminosa a scala urbana che dal Dicembre 2010 all’Aprile 2011 divenne landmark distintivo della trasformazione della città. Anticipando pratiche oggi ormai affermate di uso temporaneo e cognitivo degli spazi urbani in via di riqualificazione – tipiche dell’urbanismo tattico e della public art – il progetto è stato selezionato per ADI Design Index 2011, concorrendo per il Compasso d’Oro.

Il trittico viene oggi esposto per la seconda volta dopo la partecipazione nel 2012 alla XIII Biennale d’Architettura di Venezia nell’ambito della collettiva Traces Of Centuries & Future Steps a Palazzo

Bembo, che includeva realtà emergenti della ricerca architettonica mondiale al fianco di nomi affermati quali Arata Isozaki, Josep Lluis Mateo e Piero Lissoni.

“Growing By Numbers” prende il nome dal gioco in cui unendo punti numerati con un tratto di matita si va gradualmente a svelare un’immagine inizialmente misteriosa. Trasformando drawing, disegnare, in growing, crescere, gli architetti Paolo Cesaretti e Antonella Dedini nel 2011 realizzano un progetto con protagonisti i grattacieli di Milano, quelli storici, come il Pirellone, quelli sottoposti ad un retrofit in via di completamento, come le torri della Stazione Garibaldi e quelli ancora in fase di costruzione, come la torre di Cesar Pelli in Porta Nuova. Su ciascun grattacielo viene collocato un numero, da 0 a 9, alto nove metri e composto da ben 1650 punti luce Capix, un sistema d’illuminazione basato sull’allora esordiente tecnologia Led RGB. In breve tempo i grandi numeri, volteggiando nel cielo notturno, diventarono familiari nello skyline cittadino, contribuendo con la loro presenza enigmatica a stabilire un legame tra il luogo e le persone che lo abitavano.

Milano, in vista dell’Expo 2015, era nella fase di grandissima trasformazione che ne ha cambiato il volto in

modo radicale, coinvolgendo inevitabilmente anche i suoi cittadini. E il progetto Growing by Numbers voleva accompagnare questo cambiamento, non investigandone gli aspetti di pura attualità, ma quelli emozionali. I numeri che si accendevano al calare del sole, attraverso una linea immaginaria, volevano suggerire in chi li guardava un’immagine della città del futuro.

“Citando Ruedi Baur – dice Paolo Cesaretti – crediamo nell’incidente visivo che accade inaspettatamente. La città è luogo di sorprese. Quante persone hanno visto i numeri? Quante ne hanno parlato? L’apparente silenzio del progetto si contrappone all’inquinamento da informazione in favore del significato della città, del suo cambiamento e della sua crescita. Ci domandiamo quale reazione abbiano avuto i milanesi di fronte ai numeri. Quale elemento empatico abbia suscitato in loro.”

www.paolocesaretti.it

www.antonelladedini.it

POSTCARDS FROM GROWING BY NUMBERS
Foto | Simone Simone
Video | Micropunta.it
Sviluppo e realizzazione | Olgiati srl
ORDINE APERTO
Ordine Architetti PPC della Provincia di Milano
via Solferino 17, 20121 Milano
20 – 25 aprile 2026, ore 10 – 19
26 aprile 2026, ore 10 – 14

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Crumb Gallery presenta ABISSI, personale di Arianna Fioratti Loreto, aperta al pubblico dal 10 aprile al 30 maggio 2026. In mostra una serie di opere a china su carta che danno vita a un universo animale il cui riferimento reale viene progressivamente trasformato in visione, attraverso il disegno. Al centro di questo progetto, troviamo pesci e creature marine, sempre riconoscibili ma sottoposte a un processo di metamorfosi. Il metodo minuzioso su superfici, texture e dettagli porta le forme a perdere la loro immediatezza naturalistica, aprendo a una dimensione ambigua, sospesa, fino ad assumere una qualità fantastica.

«Mi piace la ripetizione, il pattern, la decorazione…Mi affascina vedere i motivi dentro le cose» racconta l’artista. Da questa tensione tra osservazione, esplorazione e immaginazione prende forma la ricerca di Arianna Fioratti Loreto, che affonda le sue radici tanto negli studi di storia medievale quanto in un duraturo interesse per il mondo naturale e la biologia marina. Ne nasce un immaginario in cui riferimenti colti e suggestioni scientifiche si intrecciano, dando origine a un linguaggio visivo coerente e profondamente personale.

Le opere nascono da una pratica lenta e rigorosa: i grandi campi neri, ad esempio, sono costruiti interamente a mano, attraverso una fitta stratificazione di segni, da cui emergono le figure in bianco. «Il fondo nero non è cartoncino: lo faccio io, tutto a mano» prosegue Fioratti Loreto nell’intervista di Rory Cappelli, pubblicata nel volume che accompagna la mostra (edizioni Crumb Gallery, collana NoLines). «È un lavoro lunghissimo, ma è quello che dà profondità al bianco». Il tratto si configura così come un processo di accumulo e immersione, in cui il tempo – a volte anche nove, undici mesi per la realizzazione di un grande disegno – è elemento costitutivo dell’immagine.

In questo contesto, l’interesse per il mondo animale si intreccia con suggestioni provenienti dai bestiari medievali e da un immaginario scientifico rielaborato. Ne emerge un sistema visivo coerente, in cui ogni elemento sembra appartenere a una possibile, ma inesistente, classificazione del vivente.

Con ABISSI, Arianna Fioratti Loreto presenta un nucleo di lavori che approfondiscono questa ricerca, invitando il pubblico a confrontarsi con un mondo naturale che, attraverso il segno, si rivela instabile, stratificato e aperto a continui mutamenti, un regno immaginifico che intriga e affascina per la sua complessità e inquietudine.

Arianna Fioratti Loreto. Nata a New York, ha frequentato l’Harvard College laureandosi in Storia Medievale. Nel 1992 consegue un master in Storia dell’Arte alla Princeton University. Dopo aver iniziato a disegnare tessuti per importanti aziende di New York, e aver avviato un’attività di designer di mobili per l’infanzia, ha anche illustrato un Memory e altri giochi. Ha realizza diverse mostre tra New York e Atlanta affinando l’antica tecnica del disegno a inchiostro su carta a tema zoologico. Ha esposto a New York, Berlino, Maastricht, Londra, Firenze (due volte a La Specola: Biophilia in 2017 e Terra Incognita nel 2025), Atlanta, Capalbio. A Sansepolcro ha realizzato una grande esposizione al Museo Civico: Zoomorphica, un dialogo con Piero della Francesca su rinascita e la resurrezione.

Crumb Gallery è stata fondata nel 2019 da Rory Cappelli, Lea Codognato, Adriana Luperto ed Emanuela Mollica. Crumb Gallery #womeninart nasce come spazio esclusivo per artiste donne. Promuove, divulga, sostiene ed espone pittura, sculture, fotografie, installazioni e performance di artiste. Le gallerie che espongono solo donne, nel mondo, si contano sulle dita di una mano e Crumb Gallery #womeninart vuole dare il suo piccolo contributo per ridurre il gap tra uomini e donne nel mondo dell’arte contemporanea.

Informazioni
CRUMB GALLERY
Via San Gallo, 191 rosso | 50129 Firenze
orario giovedì, venerdì e sabato dalle 16 alle 19, o su appuntamento
tel. 347 3681894
crumbgalleryfi@gmail.com | www.crumbgallery.com
FB CrumbGallery
IG Crumbgallery

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A cinque anni dalla sua nascita, la Fondazione Alinari per la Fotografia presenta il percorso compiuto finora e le prospettive per i prossimi anni. Istituita nel 2020 per volontà della Regione Toscana con l’obiettivo di conservare, studiare e valorizzare il patrimonio dell’Archivio Alinari – uno dei più grandi e importanti archivi fotografici al mondo – la Fondazione ha avviato le proprie attività nel 2021, dando avvio a un programma articolato che comprende la tutela e la descrizione e digitalizzazione dei materiali, la realizzazione di mostre e progetti scientifici, la costruzione di collaborazioni con istituzioni italiane e internazionali e la definizione del futuro assetto museale e archivistico del patrimonio.

Un percorso che prosegue nel segno della continuità. Alla guida della Fondazione sono stati riconfermati il presidente Giorgio van Straten e la direttrice Claudia Baroncini, chiamati a proseguire il lavoro avviato in questi anni e ad accompagnare l’istituzione in una nuova fase di sviluppo.

Proprio nei prossimi anni si apre una tappa decisiva: la realizzazione delle nuove sedi destinate ad accogliere e valorizzare il patrimonio Alinari.

Il futuro: il Museo, la Biblioteca e l’Archivio Alinari tra Firenze e Montecatini

Il futuro Museo Alinari troverà sede nel complesso monumentale di Santa Maria Novella, negli spazi dell’ex Scuola Marescialli. Inserito in un più ampio progetto di riqualificazione urbana, l’area diventerà uno dei principali poli culturali della città, destinato ad accogliere istituzioni impegnate nella ricerca, nella conoscenza e nella valorizzazione del patrimonio culturale.

Nei circa 1.800 metri quadrati destinati alla Fondazione troveranno posto il Museo Alinari, e una parte significativa dell’Archivio fotografico. La nuova sede ospiterà inoltre la Biblioteca, comprensiva degli Album della Fototeca, sale di consultazione e ricerca, spazi per attività educative e servizi al pubblico, un bookshop, una sala multifunzionale e gli uffici della Fondazione.

Il progetto architettonico sarà completato entro il 2026, aggiornando la stima complessiva dell’intervento – inizialmente prevista in circa 5 milioni di euro per i lavori e 1,5 milioni per gli allestimenti – e programmando le risorse necessarie all’avvio del cantiere. L’intervento sarà finanziato dalla Regione Toscana, con il sostegno della Fondazione CR Firenze per quel che riguarda la catalogazione della Biblioteca e il progetto museologico, l’ideazione e l’allestimento della parte museale. L’obiettivo è concludere i lavori entro il 2028 e aprire al pubblico il Museo Alinari nel 2029. Il progetto si inserisce inoltre nel più ampio processo di rigenerazione urbana dell’area, coordinato attraverso un tavolo tecnico che coinvolge Comune di Firenze, Regione Toscana e Fondazione.

Accanto alla sede fiorentina resterà fondamentale disporre di uno spazio che ospiti circa due terzi degli archivi, dedicato alla conservazione dei materiali più delicati, in particolare dei negativi, che richiedono specifiche condizioni microclimatiche. Per questo la Regione Toscana sta sviluppando anche il progetto della Casa della Fotografia a Montecatini, nell’edificio delle Terme Excelsior, destinata ad accogliere depositi attrezzati e laboratori per il restauro e la digitalizzazione del patrimonio anche di altri importanti fondi fotografici toscani, e un’attività di alta formazione nel campo della conservazione, digitalizzazione e catalogazione, completando così il futuro assetto infrastrutturale dell’istituzione.

Cinque anni di attività: mostre, conservazione e valorizzazione

Nei primi cinque anni di attività, la Fondazione ha consolidato un’intensa e qualificata attività espositiva, che proseguirà con nuovi progetti nel prossimo triennio, grazie a uno staff che ha progressivamente messo a frutto le competenze e rafforzato l’organizzazione interna. La Fondazione è oggi in grado di ideare e realizzare mostre proprie o su committenza, utilizzando sia stampe originali sia riproduzioni moderne, e gestendo tutte le fasi progettuali: dalla ricerca iconografica alla cura scientifica, fino all’ideazione degli allestimenti e della grafica, alla comunicazione e promozione.

La mancanza di una sede espositiva stabile a Firenze ha favorito l’apertura e il consolidamento di collaborazioni con enti e istituzioni nazionali e internazionali, permettendo di portare il patrimonio Alinari in sedi prestigiose e di ampliare la diffusione delle sue collezioni attraverso mostre e pubblicazioni.

Tra le esposizioni più significative del quinquennio si ricordano Fotografe! a Firenze, nella doppia sede di Villa Bardini e Forte di Belvedere (2022) realizzata insieme alla Fondazione CR Firenze e al Comune, L’Italia è un desiderio alle Scuderie del Quirinale di Roma (2023) e Fotografia Wulz. Un atelier, una famiglia, una città al Magazzino delle Idee di Trieste (2024), in seguito all’inventariazione e digitalizzazione dell’archivio Wulz sostenuto da Fondazione CR Firenze. A queste si affiancano altri progetti realizzati in Toscana, tra Arezzo, Livorno e Carrara.

Il lavoro di conservazione e ricerca ha incluso il più ampio progetto di digitalizzazione della lastroteca storica mai realizzato in Italia, dalla Regione Toscana con risorse PNRR. Sono state digitalizzate circa 80.000 lastre, tra cui molti dei celebri “Giganti di Vetro” (lastre di grandi dimensioni, fino a 114 cm x 85), oltre a registri storici e altri materiali d’archivio, acquisiti in alta definizione e progressivamente resi accessibili per studio e valorizzazione.

Parallelamente, la Fondazione ha consolidato il proprio ruolo di punto di riferimento regionale per la fotografia, coordinando il Censimento dei patrimoni fotografici in Toscana e la nascita della Rete Toscana della Fotografia, progetto promosso dalla Regione Toscana, una comunità che riunirà istituzioni, archivi, studiosi, associazioni e cittadini con l’obiettivo di condividere strumenti, competenze e metodologie per la tutela e la valorizzazione dei patrimoni fotografici.

Il programma espositivo dei prossimi anni

La valorizzazione degli Archivi Alinari proseguirà attraverso un programma espositivo articolato tra Toscana, Italia e contesto internazionale. Nel 2026 la mostra dedicata a Michelangelo, recentemente presentata a Carrara, sarà rivisitata con un’importante integrazione sul rapporto fra Michelangelo e il simbolismo, alla Casa Museo Ivan Bruschi di Arezzo, sostenuta da Fondazione CR Firenze, mentre con il Comune di San Gimignano sono in corso interlocuzioni per avviare un progetto dedicato al fondo del fotografo Logi.

Sempre nel 2026 sono previste, o già in corso di svolgimento, tre iniziative di particolare visibilità internazionale: la mostra fotografica allestita all’esterno della Mairie di Parigi, inaugurata in occasione del settantesimo anniversario del gemellaggio tra Roma e Parigi e promossa dall’Istituto Italiano di Cultura; lo spin-off della mostra Fotografia Wulz, dedicato alle sorelle Wanda e Marion Wulz, che sarà presentato alla Estorick Collection di Londra in collaborazione con Calliope Arts Foundation; e, sempre a Londra, la partecipazione a un’esposizione dedicata a Fosco Maraini promossa dall’Istituto Italiano di Cultura.

Le voci delle istituzioni

“Siamo di fronte ad una svolta: dalla conservazione si passa a una fase più attiva, quella di fare di questo straordinario patrimonio un volano culturale capace di parlare al mondo. Con un investimento di oltre 12 milioni di euro la Regione ha evitato la frammentazione dell’archivio Alinari. Ora entriamo in una nuova fase: non solo conservazione, ma produzione culturale, ricerca e valorizzazione internazionale. Firenze sarà il cuore espositivo e identitario, legato alla storia della fotografia Alinari. Montecatini diventerà invece la casa della fotografia in Toscana, con depositi, mostre permanenti e attività di respiro nazionale e internazionale”.

Eugenio Giani, Presidente della Regione Toscana

“Questi primi anni dimostrano che la Toscana sa coniugare tutela, ricerca e innovazione. La fotografia, linguaggio universale, torna al centro della nostra visione culturale: Firenze e Montecatini non sono due sedi separate ma parti di un unico sistema. Se a Firenze si svilupperà la dimensione museale, Montecatini potrà costruire una nuova identità proprio attorno alla fotografia, diventando un polo di ricerca, formazione e innovazione, anche sul fronte del digitale. La Fondazione Alinari sarà il motore di un vero sistema regionale della fotografia, capace di coordinare archivi, promuovere progetti e attivare nuove iniziative culturali”.

Cristina Manetti, Assessore alla Cultura della Regione Toscana

“La nascita del nuovo Museo Alinari nel complesso di Santa Maria Novella segna una tappa importante per Firenze e per la fotografia internazionale. Restituire una casa stabile a questo immenso patrimonio rientra nella più ampia visione di rigenerazione urbana che ci vede, come amministrazione comunale, impegnati per trasformare l’ex Scuola Marescialli in un polo culturale d’eccellenza” ha detto l’assessore alla cultura Giovanni Bettarini. “Siamo orgogliosi che il ‘racconto del mondo’ custodito dagli Alinari trovi finalmente il suo spazio in uno dei luoghi più suggestivi della città, che sarà luogo di conservazione, ma anche di educazione e confronto, capace di dialogare con la città e con i visitatori di tutto il mondo. Grazie alla sinergia tra Comune, Regione e Fondazione, Firenze si conferma capitale della memoria visiva e dell’innovazione culturale”.

Giovanni Bettarini, Assessore alla Cultura del Comune di Firenze

“Essere accanto a questo progetto, per Fondazione CR Firenze, è una scelta naturale. Questo progetto museale richiama infatti valori che da sempre orientano il nostro lavoro: accessibilità, inclusione, apertura alla comunità. Il nostro legame con gli Archivi Alinari viene da lontano: li sosteniamo dal 2003 attraverso restauri, progetti di valorizzazione, mostre, come la grande esposizione Fotografe! A Villa Bardini. Oggi contribuiamo alla progettazione della nuova biblioteca del futuro Museo Alinari. Siamo lieti di poterlo fare poiché il nome di Alinari è profondamente legato a Firenze, alla sua identità e alla sua capacità di raccontarsi al mondo. La fotografia è da anni uno dei linguaggi culturali su cui la Fondazione investe con convinzione. L’Archivio è non dunque soltanto un grande patrimonio da custodire, ma un’idea di cultura condivisa e capace di parlare al futuro”.

Maria Oliva Scaramuzzi, Vice Presidente di Fondazione CR Firenze

Informazioni
www.alinari.it

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Dal 28 marzo al 27 settembre 2026 l’Antiquarium Comunale di Centuripe ospita la mostra Sicilia. Un’isola, tante Sicilie. Fotografia, memoria e patrimonio culturale nell’opera di Armando Rotoletti, un ampio progetto espositivo dedicato a oltre trent’anni di ricerca fotografica sull’isola.

Il progetto nasce dall’idea che la fotografia possa costituire uno strumento di indagine scientifica sul territorio, sulla memoria e sulle trasformazioni sociali, capace di restituire non solo immagini ma interpretazioni complesse di un contesto storico e culturale. La mostra di Armando Rotoletti dedicata alla Sicilia rappresenta, in questo senso, un corpus di grande valore, frutto di oltre trent’anni di frequentazione assidua dell’isola e di un rapporto personale, profondo e mai interrotto con essa.

«Questa mostra – dichiara l’Assessore ai Beni Culturali della Regione Siciliana, Francesco Paolo Scarpinato – rappresenta un esempio virtuoso di come la fotografia possa diventare strumento di tutela e valorizzazione del patrimonio culturale. L’opera di Rotoletti restituisce alla Sicilia uno sguardo consapevole e stratificato, capace di mettere in luce la ricchezza delle nostre identità e di trasformarla in occasione di crescita culturale e civile».

Costretto a lasciare la Sicilia in giovane età per ragioni di lavoro, Rotoletti non ha mai reciso il legame con la sua terra d’origine. Al contrario, il distacco ha reso ancora più urgente il bisogno del ritorno. A partire dalla fine degli anni Ottanta, la Sicilia diventa per lui un luogo da esplorare sistematicamente, un campo di osservazione privilegiato in cui far convergere esperienza biografica e pratica professionale di fotogiornalista. I viaggi per importanti magazine italiani e i progetti personali si intrecciano così in una lunga ricerca visiva che non pretende di essere esaustiva, ma che ambisce a essere onesta, stratificata e coerente.

Le fotografie raccolte nella mostra e nel volume edito da Silvana Editoriale non vogliono “raccontare la Sicilia” in modo totale o definitivo. Esse costituiscono piuttosto una selezione significativa di scatti realizzati nell’arco di oltre tre decenni, che nel loro insieme restituiscono una visione personale dell’isola intesa come “isola-mondo”. Una Sicilia plurale, complessa, attraversata da forti contrasti e da una densissima stratificazione storica, culturale e antropologico-sociale. È per questo che Rotoletti parla di “Sicilie”, al plurale: perché ogni territorio, ogni comunità, ogni paesaggio umano e materiale concorre a definire identità differenti, spesso coesistenti e talvolta conflittuali.

Il progetto si propone di analizzare questa narrazione visiva come una forma di costruzione del patrimonio culturale, sia materiale sia immateriale. Le immagini di Rotoletti non documentano soltanto luoghi, volti e oggetti, ma restituiscono pratiche, rituali, gesti quotidiani e forme di resistenza alla standardizzazione contemporanea. Come osserva Tomaso Montanari, la Sicilia che emerge da queste fotografie appare come un potente antidoto all’omologazione globale: una realtà “diversa”, in cui il tradizionalismo non è semplice  arretratezza, ma può diventare frontiera avanzata del pensiero moderno, là dove la diversità si configura come valore umano fondamentale, fecondo e, proprio per questo, spesso temuto.

La scelta del bianco e nero e di una forma espressiva classica rafforza ulteriormente questa lettura. Lo spettatore è indotto a interrogarsi sul tempo delle immagini, a controllarne la datazione, scoprendo con sorpresa che ciò che appare come appartenente a un’altra epoca è invece pienamente contemporaneo. Le fotografie diventano così, per usare le parole di Italo Calvino riferite a Carlo Levi e riprese da Montanari, “ambasciatrici di un altro tempo” nel nostro presente. In questa sospensione temporale si colloca una delle chiavi di lettura più fertili del lavoro di Rotoletti: la capacità di mostrare ciò che ancora esiste, ma che lentamente e inesorabilmente rischia di scomparire.

In questo senso, il progetto si configura anche come una riflessione sullo sguardo. Tomaso Montanari parla esplicitamente di un’educazione sentimentale allo sguardo: “lo sguardo di Rotoletti parifica uomini e cose, li inserisce in un repertorio memoriale che non gerarchizza, ma mette in relazione. È uno sguardo sensibile, allenato alla complessità, capace di cogliere l’unicità dei dettagli senza mai perdere la visione d’insieme. Proprio per questo, il valore scientifico del lavoro non risiede solo nella documentazione, ma nella capacità interpretativa dell’autore, nella costruzione di punti di vista che stimolano una comprensione critica del territorio”.

Il progetto intende dunque indagare la fotografia di Rotoletti come pratica conoscitiva e come dispositivo culturale e politico, nel senso più alto del termine. Amare la Sicilia, come scrive Montanari, significa amare la sua diversità, e riconoscere che il patrimonio culturale non è qualcosa di astratto o distante, ma una realtà prossima, urgente, che interpella il presente. Attraverso una narrazione visiva articolata e costruita nel tempo, Rotoletti offre uno strumento prezioso per riflettere sull’identità, sulla memoria e sulle trasformazioni della Sicilia contemporanea, contribuendo a una comprensione più profonda e consapevole di una regione che continua a interrogare, resistere e raccontare se stessa.

«Accogliere a Centuripe un progetto di tale spessore – afferma il Sindaco Salvatore La Spina – significa rafforzare il ruolo della nostra comunità come luogo di produzione culturale e di riflessione sull’identità siciliana. L’Antiquarium conferma il suo ruolo di spazio vivo, in cui memoria, arte e territorio dialogano con le massime espressioni d’arte».

La mostra è organizzata dal Comune di Centuripe in collaborazione con Rjma Progetti culturali ed è realizzata grazie al contributo dell’Assessorato dei beni culturali e dell’identità siciliana.

SCHEDA TECNICA
Patrocinio
Regione Siciliana – Assessorato dei beni culturali e dell’identità siciliana
Enti promotori
Comune di Centuripe
Titolo
Sicilia. Un’isola, tante Sicilie.
Fotografia, memoria e patrimonio culturale nell’opera di Armando Rotoletti
Organizzazione
Rjma Progetti Culturali
Sede espositiva
Antiquarium Comunale, Centuripe
Periodo
28 marzo – 27 settembre 2026
Orari
Martedì – Domenica, ore 9.00–12.00 e 15.00–19.00
Chiuso il lunedì
Visite guidate
A cura delle associazioni:
Caos –  ref. Carmelo Mammana 327 4891082
Cinque C  – ref. Rosaria Stella 320 1450685
Pro Loco – ref. Elena Sicurella  340 8451580

Informazioni e prenotazioni
Centuripe Nostra – Ufficio turistico
P.zza Lanuvio 28 – Tel. 0935 919480
ufficioturistico@comune.centuripe.en.it | www.centuripecittaimperiale.com
FB Antiquarium Centuripe
IG Antiquarium Centuripe

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Tornabuoni Arte inaugura mercoledì 11 marzo 2026 MARIO CEROLI. Mito e materia presso la sede di Firenze (Lungarno Benvenuto Cellini, 3), la prima antologica dedicata al maestro allestita in Italia dalla galleria, dopo l’importante rassegna monografica alla GNAMC a Roma, conclusasi lo scorso gennaio, che ne ha confermato il suo ruolo nel panorama artistico contemporaneo.

Il rapporto tra Tornabuoni Arte e Ceroli ha radici consolidate nel tempo: la galleria a Parigi gli ha dedicato due mostre personali nel 2010 e nel 2022. Enrico Crispolti, che aveva curato la retrospettiva del 2010, scriveva: «Ceroli ha presentato un nuovo possibile modo di intendere la scultura, senza rinunciare agli elementi della sua identità storica e sottoponendola al contempo a una trasformazione innovativa sostanziale, e dunque profondamente personale. Ceroli ha sviluppato gradualmente le modalità di un linguaggio plastico che rifiuta sia la continuità strutturale e rappresentativa della scultura tradizionale, sia il conseguente peso e l’unicità avvolgente dell’evento collocato nello spazio.»

Partendo da questo assunto, l’esposizione a Firenze ripercorre le tappe principali della carriera di Ceroli, protagonista della scena artistica romana, dagli anni Sessanta al 2000. La mostra riunisce quaranta opere – tra sculture e installazioni, insieme alle classiche silhouettes in legno, materiale prediletto dall’artista – significative del suo percorso, caratterizzato da una grande libertà immaginativa e dalla sua ricerca creativa. All’interno della mostra Squilibrio, del 1988, in una versione più piccola in bronzo, ispirata al celebre disegno dell’Uomo vitruviano di Leonardo da Vinci, una delle invenzioni più emblematiche di Ceroli, quasi un suo “logo”, esplicita dichiarazione di tridimensionalità. Realizzate tra gli anni Ottanta e i primi anni Novanta, si trovano una serie di opere in tavolato ligneo (pino di Russia), protagonisti delle quali sono gli eroi del mito greco e i guerrieri, in particolare i cicli ispirati ai celebri Bronzi di Riace, emersi dal mare della Calabria nel 1972, come il bellissimo Interno tempio (I Bronzi di Riace), 1981, o dello stesso anno, Ritratto di guerriero, tecnica mista e foglia d’oro su legno, che conferma il suo costante riferimento all’antichità e alla grande tradizione classica.

Due sculture in legno, Le talebane – più recenti, del 2002, una bianca e l’altra azzurra, di circa due metri ciascuna – si stagliano con la loro presenza muta: simulacri misteriosi e raffinati, originati da suggestioni di cronaca politica che l’artista ha rielaborato con grande forza evocativa, un omaggio alle ricercate tradizioni d’Oriente. Del 1972 è il monumentale retablo in legno e bronzo intitolato Gloria eterna ai caduti per la pittura, che contiene epigraficamente i nomi di critici d’arte, collezionisti e mercanti, con un intento ironicamente commemorativo. Sono gli anni, tra il 1972 e il 1975, in cui la ‘scrittura’ diventa elemento ricorrente nel lavoro di Ceroli.

Nel percorso espositivo figura anche Eleusi, del 1979, immagine di forte suggestione che evoca i Grandi Misteri Eleusini, riti agrari esoterici: raffigurazione di un campo di frumento maturo che testimonia l’interesse dell’artista verso la natura vegetale, attraverso l’utilizzo di rami, paglie o spighe, come in questo caso, inseriti all’interno dei fondi delle consuete tavole. L’interesse per la natura trova le sue radici nell’Arte Povera, movimento con il quale Ceroli ha condiviso, soprattutto all’inizio, alcuni ideali poetici, mantenendo tuttavia una posizione distante dalle declinazioni di area torinese, rappresentate da artisti quali Merz o Penone, sviluppando un suo personalissimo linguaggio.

Mario Ceroli nasce a Castel Frentano (Chieti) il 17 maggio 1938. A dieci anni si trasferisce a Roma, dove il suo destino artistico prende forma quasi per caso. I genitori lo immaginavano impiegato dello Stato e lo iscrissero alla Scuola Galileo Galilei, che comprendeva Istituto Tecnico, Istituto Tecnico Industriale e Istituto d’Arte. Come lui stesso racconta, la madre, stanca di salire le scale per evitare l’ascensore, si fermò al primo piano e lo iscrisse all’Istituto d’Arte. Un gesto di serendipità che avrebbe segnato la storia dell’arte italiana del secondo Novecento.

All’Istituto d’Arte studia sotto la guida di maestri come Leoncillo Leonardi, Pericle Fazzini ed Ettore Colla, sperimentando inizialmente la ceramica. Nel 1958 tiene la sua prima mostra di ceramiche e nello stesso anno vince il Premio per la Giovane Scultura della Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea sotto la direzione di Palma Bucarelli. Nonostante sia spesso definito “scultore del legno”, Ceroli ha sempre rivendicato la molteplicità delle sue esperienze: marmo, bronzo, ghiaccio, acqua, carta, stoffa. La materia, per lui, è linguaggio aperto e mai definitivo.

Un viaggio ad Assisi nel 1957 e la scoperta di Giotto lo conducono verso le prime sagome lignee, segnando l’inizio di una ricerca che lo renderà protagonista della Pop Art e dell’Arte Povera. Negli anni Sessanta il legno grezzo diventa materiale emblematico: figure umane, numeri, lettere, oggetti quotidiani prendono forma in composizioni seriali, talvolta policrome, dove la scultura si intreccia con pittura, design e installazione. Le sue opere non sono semplicemente plasmate: sono costruite. Le forme appaiono come concetti tangibili, stratificazioni di piani consequenziali che mantengono armonia pur evitando l’uniformità plastica.

Il 1965 segna una svolta con Cassa Sistina, ambiente totale e ironico, insieme mistificazione e riflessione sul sistema dell’arte, che gli vale il Premio Gollin e un riconoscimento alla Biennale di Venezia del 1966. Nello stesso anno espone alla Galleria La Tartaruga di Roma opere come L’ultima cena, oggi conservata alla GNAM. Con La Cina (1966) anticipa l’arte immersiva, coinvolgendo lo spettatore in uno spazio totalizzante.

Tra il 1966 e il 1967 si trasferisce negli Stati Uniti e tiene una personale alla Bonino Gallery di New York, presentando Farfalle. L’interesse per lo spazio culmina nel 1969 con Io, piramide di ghiaccio: una struttura di mattoni di ghiaccio sormontata da una sfera d’acciaio contenente carbone ardente, potente allegoria di precarietà e tensione.

Parallelamente, Ceroli sviluppa un’intensa attività teatrale: collabora con il Teatro Stabile di Torino, il Teatro alla Scala e il Teatro La Fenice, fondendo scultura e scenografia in palcoscenici monumentali. Per Ceroli, teatro e arte visiva condividono la stessa vocazione ambientale.

Negli anni Ottanta e Novanta emergono temi ricorrenti come porte, scale e strutture architettoniche. Opere come La Porta (1981), Il Cenacolo (1981), Uomo Vitruviano (1987), Casa di Nettuno (1988), Maestrale (1992) e Applausi (1992) approfondiscono la ricerca sul “tuttotondo” e sulla matericità sferica, in dialogo costante con l’ambiente. In questi decenni sperimenta anche marmo policromo, vetro, polveri e bronzo, reinterpretando suggestioni rinascimentali, da Leonardo ai maestri del passato.

Importante è anche il suo intervento in spazi pubblici e sacri, come la chiesa di San Lorenzo a Porto Rotondo (1968), quella di Santa Maria Madre del Redentore a Tor Bella Monaca (1987) quella di San Carlo Borromeo a Napoli (1990), dove arte e architettura si integrano. Da menzionare anche l’intervento alla Scuola Superiore di Polizia di Roma, dove ha realizzato il sacrario e la cappella.

Negli anni Duemila continua a mescolare legno, cenere e lamine d’oro. Opere come La nuda verità e Guerriero Frentano (2007) presentano figure lignee cosparse di cenere, simbolo della fusione tra uomo e natura.  Nel dicembre del 2024 ha inaugurato l’apertura di Palazzo Citterio a Milano con una sua mostra ambientale nello spazio Sterling dal nome ‘Mario Ceroli. La forza di sognare ancora’, e nell’ottobre del 2025 la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma ha inaugurato la mostra ‘Ceroli Totale’ che ripercorre i suoi 70 anni di carriera. Artista poliedrico e mercuriale, Ceroli ha superato i confini tradizionali dell’opera d’arte, esplorando l’interazione tra scultura, pittura, architettura e teatro.

Vive e lavora a Roma, dove ha creato un vasto spazio-museo che raccoglie oltre cinquecento opere, concepito come ambiente in continua evoluzione, destinato a dialogare con il pubblico e a ispirare le nuove generazioni.

Informazioni
Tornabuoni Arte
Firenze,
 Lungarno Benvenuto Cellini, 3
orario lunedì-venerdì: 9.00-13.00 / 15.00-19.00
tel. 055 6812697
info@tornabuoniarte.it | www.tornabuoniart.com 

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Una mostra spettacolare e visionaria che riporta in vita l’eroe più indomabile della letteratura italiana

Mentre la nuova serie televisiva ha ricondotto Sandokan nelle case di milioni di italiani, a Monza arriva qualcosa che nessuno ha mai visto prima

Dal 7 marzo al 28 giugno 2026, gli spazi monumentali dell’Orangerie della Reggia di Monza ospitano SANDOKAN. LA TIGRE RUGGISCE ANCORA: un viaggio di immersione totale nel Sud-est asiatico ottocentesco – reale e leggendario – attraverso Borneo, Malesia, India e Indonesia, così come li ha immaginati Emilio Salgari, lo scrittore che ha fatto sognare generazioni di lettori.

Ideata e prodotta da Vertigo Syndrome e curata da Francesco Aquilanti e Loretta Paderni, l’esposizione è concepita come una grande epopea visiva e sonora, capace di far dialogare la fantasia letteraria con materiali storici autentici, in un continuo gioco di rimandi tra invenzione narrativa e realtà.

La mostra ha il patrocinio del Comune di Monza ed è stata realizzata grazie alla collaborazione attiva del Consorzio Villa Reale e Parco di Monza e di istituzioni e privati che hanno entusiasticamente aderito al progetto, mettendo a disposizione i loro preziosi oggetti, documenti, cimeli e soprattutto le loro competenze culturali. Tra questi il Museo delle Civiltà di Roma, la Fondazione Tancredi di Barolo, gli eredi Matania/Della Valle, la Cong Sa-Hugo Pratt properties, l’Archivio Sarti, il Museo Stibbert di Firenze, la RAI, la Cineteca Nazionale e l’Istituto Luce.

PERCHÉ QUESTA MOSTRA È UN EVENTO IMPERDIBILE

Il momento è perfetto

C’è una nuova generazione che ha incontrato Sandokan per la prima volta grazie alla recente serie televisiva, riscoprendo oggi un eroe che appartiene a una tradizione molto più lunga. E ci sono gli adulti che con la Tigre della Malesia sono cresciuti: bambini negli anni Settanta, incollati allo schermo davanti allo sceneggiato con Kabir Bedi, oggi genitori pronti a riconoscere in quelle storie l’origine dei propri sogni di avventura. Ma la passione per questo personaggio ha trascorso almeno cinque generazioni a partire da quel martedì 16 ottobre 1883 quando il romanzo di Emilio Salgari “La Tigre della Malesia” con il suo protagonista Sandokan venne pubblicato in 150 puntate sul giornale “La Nuova Arena” di Verona. Un successo straordinario di pubblico, un fenomeno letterario che dura intatto da quasi 150 anni.

Questa mostra è il ponte tra queste generazioni: un luogo in cui memorie e prime scoperte si incontrano.

Ma Sandokan non è soltanto nostalgia. È un eroe romantico e profondamente politico, una figura di resistenza e di ribellione, protagonista di un ciclo di avventure che, alla fine dell’Ottocento, contribuì in modo decisivo a formare l’immaginario collettivo italiano, in un Paese giovane e affamato di mondi lontani.

Sandokan incarna un bisogno universale e senza tempo: l’evasione, il mistero, l’attrazione per terre remote in cui misurare il coraggio, la lealtà, l’amore e il desiderio di autodeterminazione. Valori che attraversano le epoche e che oggi, in un presente inquieto e disorientato, tornano a parlare con una forza sorprendente.

Un tesoro nascosto, svelato per la prima volta

Per la prima volta in assoluto vengono esposti reperti che il pubblico non ha mai potuto ammirare: la collezione etnografica originale dei Dayak, donata direttamente al Re d’Italia Umberto I da Sir Charles Brooke, discendente diretto del leggendario ma realmente esistito Rajah Bianco James Brooke, l’antagonista letterario di Sandokan.

Sono gli oggetti reali, concreti, che accesero l’immaginazione di Emilio Salgari. Rimasti nascosti per oltre un secolo, tornano oggi alla luce in questa mostra.

Un’esperienza che va oltre la mostra tradizionale

Non una semplice esposizione, ma un viaggio multisensoriale. I visitatori attraverseranno la giungla del Borneo, ascolteranno i misteriosi ramsinga e i tamburi di guerra, sentiranno i versi delle tigri e il fragore delle battaglie navali.

Ambienti ricreati con cura, minuzia e originalità, materiali storici, immagini, testi, suoni e voci costruiscono un racconto stratificato, capace di coinvolgere il visitatore su più livelli. Un percorso narrativo che farà battere il cuore a grandi e piccini.

IL PERCORSO ESPOSITIVO

I luoghi dell’avventura

Esiste davvero la leggendaria Mompracem?

Antiche carte geografiche sveleranno il mistero dell’isola dei pirati. La giungla prenderà vita con effetti sonori e scenografici degni di una produzione cinematografica. Fotografie d’epoca, tavole botaniche rare e illustrazioni originali trasporteranno il visitatore in quel «caos di vegetali» dove «di notte è un frastuono orribile di urla, di ruggiti, di sibili che gela il sangue».

Gli oggetti del mito

I costumi originali della serie TV degli anni Settanta disegnati dal due volte premio oscar Nino Novarese e fortunosamente ritrovati in una delle più antiche sartorie teatrali italiane, gli oggetti e le armi di scena provenienti dalla più importante attrezzeria cine-teatrale, si affiancano alle autentiche lance del popolo dei Dayak, con i kriss malesi, gli scudi tribali e i trofei originali di queste popolazioni,  conosciute come “i tagliatori di teste”: la mostra riunisce infatti insieme ai materiali di scena e alla rara documentazione audiovisiva, antichi e originali manufatti etnografici mai esposti fino ad oggi.

Oggetti e abiti autentici provengono da prestigiose collezioni e musei italiani che hanno contribuito come partner alla realizzazione questa mostra. Ogni pezzo racconta una storia. Ogni arma evoca una battaglia. Ogni ornamento sussurra i segreti dell’Oriente misterioso, così come è rigorosamente descritto dalla penna di Emilio Salgari.

I personaggi immortali

Una sezione centrale del percorso è dedicata ai personaggi che popolano l’epopea salgariana. Accanto alla Tigre della Malesia, la mostra restituisce spazio e profondità agli altri protagonisti del ciclo indo-malese primi fra tutti l’ironico e leale Yanez de Gomera e la risoluta e affascinante Marianna Guillonk, la Perla di Labuan e questo senza dimenticare le tante figure che compongono le schiere di Sandokan, da Tremal-Naik a Kammamuri, fino naturalmente agli efferati Tigrotti: la multiforme e variegata ciurma di pirati che incarna l’idea di una fratellanza senza confini etnici.

Illustrazioni originali, materiali editoriali, immagini cinematografiche e fumettistiche mostrano come questi personaggi abbiano attraversato epoche e linguaggi, fissandosi nell’immaginario collettivo come figure archetipiche dell’avventura, del coraggio e della lealtà.

Il nemico: colonialismo e ambiguità del potere

Una sezione specifica affronta il tema del colonialismo e della figura dei “Rajah bianchi”, primo fra tutti James Brooke figura storica realmente esistita, antagonista letterario di Sandokan, nonché del suo diretto successore Charles Brooke al quale si deve la raccolta della collezione etnografica esposta in questa mostra. La mostra restituisce il contesto politico e culturale dell’epoca, mettendo in luce il conflitto tra dominio e resistenza che attraversa tutta la saga e ne costituisce una delle tensioni più profonde.

Emilio Salgari

La penna spezzata

Nelle ultime aree del percorso emerge il ritratto di Emilio Salgari: scrittore popolarissimo e insieme tragicamente sfruttato, autore instancabile, costretto a una produzione incessante da un sistema editoriale che ne consumò il talento senza riconoscerne pienamente il valore.

La celebre penna spezzata lasciata sul suo tavolo di lavoro è l’emblema, il gesto simbolico estremo prima che Salgari ponga fine alla propria vita nel 1911. È l’immagine di una parabola dolorosa: quella di un autore capace di creare mondi sconfinati e personaggi liberi e ribelli, ma imprigionato nella realtà da debiti, contratti vessatori e isolamento culturale e da continui drammi familiari.

Eppure, già in vita, Salgari era riconosciuto come una figura centrale della cultura popolare italiana. Nel 1897 fu insignito del titolo di Cavaliere dell’Ordine della Corona d’Italia per aver saputo «istruire dilettando» intere generazioni di giovani lettori. Un riconoscimento che convive, in modo emblematico, con la durezza delle sue condizioni di lavoro. Un contrasto che rende la sua figura oggi più che mai attuale.

Sandokan oltre la pagina: cinema, fumetti, illustrazione

La mostra si apre infine alle molteplici reincarnazioni visive di Sandokan: dal cinema degli anni Quaranta alla televisione, dai grandi sceneggiati RAI alle trasmissioni di approfondimento e parodie televisive, passando per il fumetto, i bozzetti di costumi e l’illustrazione per i quali saranno visibili tavole preparatorie originali di illustratori memorabili come Alberto della Valle e disegnatori di fumetto conosciuti da tutto il mondo come Hugo Pratt. Un secolo di immagini e testimonianze che confermano la vitalità di un mito capace di attraversare linguaggi, epoche e generazioni mantenendo intatti quei valori di avventura, coraggio e lealtà.

UN PROGETTO CULTURALE DI RESPIRO NAZIONALE

Valore educativo

La Regina Margherita di Savoia nel 1897 nominò Salgari Cavaliere, riconoscendogli il merito di avere «istruito dilettando». Questa mostra continua in direzione di quella missione: insegnare la storia, la geografia, l’antropologia attraverso l’avventura e l’emozione.

Rilevanza contemporanea: l’autodeterminazione di un popolo

In un’epoca di supereroi Marvel e saghe fantasy, Sandokan rimane il primo vero eroe anti-coloniale della letteratura popolare: un principe malese che lotta al fianco delle popolazioni locali contro l’impero britannico. Un messaggio di libertà e giustizia più attuale che mai.

Appeal multigenerazionale

Dai bambini affascinati dall’avventura agli adulti nostalgici, dagli studiosi di letteratura agli appassionati di cultura orientale: una mostra che unisce tre generazioni sotto il segno della vera avventura.

Riportare Salgari al centro del dibattito culturale significa valorizzare un patrimonio italiano troppo a lungo sottovalutato: uno scrittore tradotto in tutto il mondo, che ha ispirato il cinema da Sergio Leone a George Lucas.

«La notte del 20 dicembre 1849 un uragano violentissimo imperversava sopra Mompracem…»

Così iniziava l’avventura di Sandokan. Oggi, quella tempesta sta per tornare.

NON SOLO TIGRI e PIRATI

Come consuetudine di Vertigo Syndrome, la mostra sarà arricchita da un ricchissimo calendario di eventi collaterali, incontri, laboratori e attività didattiche che approfondiscono gli argomenti collegati alla mostra, trasformandola di fatto in una sorta di festival tematico.

UNA GRANDE AVVENTURA ANCHE PER I BAMBINI E LE SCUOLE

Vertigo Syndrome ha un occhio di riguardo per le famiglie che visiteranno la mostra, di modo che nessuno debba annoiarsi.

I visitatori più piccoli saranno coinvolti in giochi e avventure all’interno del percorso espositivo al termine dei quali riceveranno in omaggio un premio “piratesco” e avranno a loro disposizione un piccolo spazio dove disegnare, colorare e partecipare a giochi a loro dedicati.

Per tutte le scuole di ogni ordine e grado sono previste delle visite guidate alla mostra e dei laboratori didattici.

IL BRAND VERTIGO SYNDROME

“Il successo delle nostre precedenti mostre ha confermato quello che pensavamo: se sei abbastanza bravo da raccontarla come qualcosa di emozionante e interessante, una mostra può attirare persone che solitamente non visitano mostre perché le associano alla noia.” A parlare sono Chiara Spinnato e Filippo Giunti, creatori del brand Vertigo Syndrome.

Vertigo Syndrome è nata per sfidare il modello dominante nel settore delle mostre d’arte: approcci produttivi e creativi tradizionali, didascalici, centrati su target esperti o turisti della cultura. Le mostre prodotte da Vertigo Syndrome si rivolgono soprattutto a un pubblico non specialistico, utilizzando linguaggi narrativi, visuali e tecnologici che puntano a non annoiare il visitatore – che può arrivare in mostra legittimamente impreparato rispetto al tema trattato.

I contenuti scientifici sono sempre rigorosi, ma trasmessi in modo esperienziale, immersivo e creativo, superando il modello «classico» delle mostre tradizionali.

Vertigo Syndrome ha stilato un proprio Manifesto contro l’elitarismo delle mostre d’arte visibile alla pagina: vertigosyndrome.it/metodo/

SODDISFATTI O RIMBORSATI

I visitatori insoddisfatti dell’esposizione potranno richiedere il rimborso integrale del biglietto. Una garanzia che Vertigo Syndrome offre su tutte le proprie produzioni.

LA CITTÀ   ACCOGLIE LA TIGRE

Per molte generazioni, ben oltre le due guerre mondiali, Salgari è stato uno dei nomi che istintivamente ha significato per moltissimi lettori immedesimazione e coinvolgimento, l’idea stessa di avventura, di esplorazione, di scoperta del mondo e della natura, ma anche delle relazioni umane. Tremal Naik, l’ineffabile Yanez, la Dea Kalì, non erano solo nomi di personaggi o di dee; i luoghi descritti, le navigazioni e le fughe, gli agguati e i salvataggi, gli atti di coraggio e le imprese più difficili non erano solo segni sulla carta. Tutto si trasformava in emozione, in partecipazione e continua aspettativa, in attesa di passare da una pagina a quella successiva, da un libro che si terminava di leggere a quello che si apriva.

In una parte della mia vita di ragazzino la noia della spesa del sabato era compensata da una concessione dei miei genitori: un passaggio in libreria dove avevo sempre l’autorizzazione a comprare uno o due libri. Per un lungo periodo quei libri erano per me avventura e scoperta, e l’avventura era prima di tutto “Sandokan”. Per chi, come molti di noi, attendeva con piacere la possibilità di andare in biblioteca o in libreria, il nome di Salgari era il nome di un compagno di viaggio più grande, di un capo-esploratore che, attraverso il mondo di Sandokan, ci accompagnava fra terre e colori, caldi insopportabili e momenti di quiete, odori e rumori, avventure pericolose e salvezze inaspettate…

Crescendo, si imparava poi a conoscere la differenza tra avventura e realtà, addirittura scoprendo che chi ti aveva fatto da cicerone in mondi lontani ed esotici quei mondi non li aveva mai conosciuti. Ma, come mi ha insegnato una persona a cui voluto moltissimo bene, si può viaggiare per ore su una carta geografica distesa su un tavolo e provare grandi emozioni. Così, con Salgari molti di noi hanno viaggiato e scoperto il mondo stando fermi, e mentre viaggiavano scoprivano anche parti dell’animo umano.

Grazie di cuore allora a chi oggi, puntando lo sguardo oltre all’attuale modo di conoscere Salgari, che per moltissimi non è la lettura ma lo schermo di un cinema o di un televisore, ci ricorda con una Esposizione all’interno della meravigliosa Villa Reale di Monza che della scrittura e della lettura, e del meraviglioso immaginario in cui ci conducono, non possiamo e non potremo mai fare a meno.

Paolo Pilotto

Sindaco della città e Presidente del Consorzio Villa Reale e Parco di Monza

Quello di Sandokan e dei romanzi di Salgari rappresentano un incredibile fenomeno culturale che attraversa le generazioni e si riscopre oggi, dopo un secolo e mezzo, fortemente attuale. Notoriamente, Salgari non aveva mai visitato i luoghi di cui narrava, né ne aveva conosciuti i costumi e i popoli. Eppure, pur con tutte le perdonabili ingenuità e gli esotismi, riuscì a dare loro una grandiosa dignità e a esprimere in tempi certo non favorevoli un messaggio sorprendentemente anticoloniale e antimperialista, facendo appassionare alla lotta ribelle di Sandokan e della sua ciurma generazioni di giovani, ma anche di adulti insospettabili. Persino nei salotti letterari più esclusivi, come quello della Regina Margherita, si apprezzava Salgari. I suoi romanzi hanno plasmato senza dubbio l’immaginario di un Paese intero. Quello in Villa Reale è quindi una sorta di ritorno di personaggi che non hanno mai fisicamente attraversato queste sale, ma che hanno animato le menti di chi ci ha vissuto.

Arianna Bettin

Assessora alla Cultura della città di Monza

Emilio Salgari approda alla Reggia di Monza. In realtà è un “ritorno”, perché lo scrittore era solito inviare i suoi romanzi ai membri della Casa Reale. Nel 1897, su proposta di Margherita di Savoia, fu nominato Cavaliere della Corona. La sovrana per l’occasione elogiò in una lettera “questo genere di lettura che istruendo con diletto giustamente si è meritato il favore del pubblico”. E non finisce qui. La collezione etnografica dei Daiacchi, ora eccezionalmente esposta nell’Orangerie, fu donata al Re d’Italia Umberto I dal secondo Rajah bianco del Sarawak e poi trasmessa al Regio Museo Preistorico Etnografico di Roma, oggi parte del Museo delle Civiltà. Ogni vicenda sembra parte di un seducente viaggio salgariano, che ci prende per mano e lusinga la nostra fantasia.

Bartolomeo Corsini

Direttore Generale del Consorzio Villa Reale e Parco di Monza

Orari
Dal martedì al venerdì dalle ore 10:00 alle ore 19:00 (ultimo ingresso un’ora prima della chiusura). Sabato, domenica e festivi dalle ore 10:00 alle ore 20:00 (ultimo ingresso un’ora prima della chiusura). Lunedì chiuso

Biglietti
Intero 16,50 € | Ridotto 14,00 € | Ridotto bambini dai 7 ai 12 anni 6 €
Produzione
Vertigo Syndrome
Catalogo
Moebius Books

Contatti
MOSTRA SANDOKAN
tel.  333 6811415
info@mostrasandokan.com | www.mostrasandokan.com
FB Sandokan. La tigre ruggisce ancora
IG sandokan_mostra

Informazioni
Vertigo Syndrome
tel.  351 6560343
info@vertigosyndrome.it | www.vertigosyndrome.it
FB  vertigosyndrome
IG vertigo_syndrome_

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Con Visceralità primitiva, la Fondazione POMA Liberatutti di Pescia dedica una mostra a Paolo Tesi, artista la cui ricerca si è costruita nel tempo come un percorso autonomo e riconoscibile, lontano da scuole, appartenenze e definizioni precostituite. La mostra, in programma dal 26 febbraio al 24 maggio 2026, introduce il visitatore all’universo visivo dell’artista, fondato su una pratica del segno intensa e continua, in cui pittura e grafia diventano strumenti di esplorazione interiore prima ancora che forme compiute, accogliendo un corpus di opere che restituisce la tensione che attraversa il lavoro dell’artista, sospeso tra accumulazione e annullamento, tra urgenza espressiva e impossibilità di una forma definitiva.

Nato a Pistoia nel 1945, Paolo Tesi si forma tra la sua città e Firenze, scegliendo fin dagli esordi un percorso di studi a indirizzo artistico. All’Accademia di Belle Arti affianca la frequenza alla Facoltà di Lettere dell’Università di Firenze, dove incontra figure determinanti per la sua formazione intellettuale come Alessandro Parronchi e Luigi Baldacci. Pittore, incisore, illustratore, Tesi ha sempre attraversato i linguaggi con una naturalezza che rifugge le categorie rigide, definendosi non a caso «pittore con la tentazione di scrivere». Una tensione che lo conduce a un’attività parallela di curatore e promotore culturale, fino alla fondazione della rivista di arte e letteratura Ombrone, e che accompagna per oltre quindici anni anche la sua esperienza di docente di disegno tra Italia e Germania.

L’attività espositiva prende avvio nei primi anni Sessanta, con le prime partecipazioni a mostre collettive a partire dal 1962, mentre la prima personale risale al 1973, nella sua città natale. Da allora, Tesi ha sviluppato un percorso personale costante e autonomo, con esposizioni in Italia e all’estero (questa è la sua settantesima!) che testimoniano la solidità e la coerenza della sua ricerca.

Visceralità primitiva raccoglie ventisette opere realizzate nel corso del 2025, appositamente per la mostra: una serie a colori di 10 lavori di inchiostro su carta e una serie monocromi di 17 lavori di pastello a cera su carta. Si tratta di lavori di grandi dimensioni, ampi spazi di cui l’artista ha bisogno per racchiudere e unire le opere attraverso un cuntinuum di temi che si richiamano tra loro. Al centro del progetto sta l’idea di una “visceralità primitiva”, che dà titolo alla mostra, i contenuti riguardano sogni, stati d’animo, visioni e allucinazioni. I soggetti, che nascono dal subconscio esplosivo e visionario, sono tenuti insieme da lettere che, oltre a simboleggiare il desiderio di narrare, sollecitano l’artista a esprimersi attraverso segni e colori.

Come scrive lo stesso Tesi a proposito della mostra: “La superficie che utilizzo per lavorare, qualsiasi essa sia, non mi basta mai: vado sempre oltre.

La mano traccia l’ennesimo segno che scompare inghiottito dall’altra miriade di schizzi tracciati poco prima, per essere poi, tutti assieme, inghiottiti dal foglio. […]

Sono vorace. […]

Quando nello studio inizio a disegnare, avverto un leggero disagio che si diffonde nell’aria, un’ansia mi pervade e mi spinge a fare. La mano si attiva e segno dopo segno lo spazio si riempie senza alcun indugio. Da un foglio passo a un altro, ma non mi sento appagato. Qualcosa di primitivo, inspiegabile e irrazionale, preme nelle mie viscere alla ricerca di un risultato che mi soddisfi, di un ideale forse irraggiungibile.”

Questa voracità del segno, questa tensione incessante verso un altrove che sfugge, è ciò che dà forma e sostanza all’intero progetto espositivo. Visceralità primitiva non propone una narrazione pacificata, ma espone il processo stesso del fare artistico come campo di conflitto, come necessità non mediabile.

Il catalogo, pubblicato da Edizioni Fondazione POMA Liberatutti nella collana PomArte e curato da Marta Convalle, raccoglie i contributi critici di Rosa Pierno e Anna Brancolini.

La mostra inaugura giovedì 26 febbraio 2026 alle ore 18.30, alla presenza dell’artista, della curatrice, delle autrici dei testi critici in catalogo e del Presidente della Fondazione POMA Liberatutti Paolo Trinci.

L’esposizione è visitabile dal mercoledì al sabato dalle 10.00 alle 12.30 e dalle 17.30 alle 22.00; la domenica dalle 10.00 alle 12.00 e dalle 17.30 alle 22.00. Ingresso libero, senza obbligo di iscrizione alla Fondazione.

Fondazione POMA Liberatutti

Sulle sponde del fiume Pescia, nell’omonima città, sorge la Fondazione POMA Liberatutti. Un centro polifunzionale concepito per stimolare il libero pensiero e favorire l’incontro tra iniziative e forme artistiche diverse. Realizzata in un ex opificio ristrutturato, la Fondazione si presenta come una factory culturale.

Lo spazio ospita mostre d’arte, spettacoli dal vivo, conferenze ed eventi che spaziano dalla musica al teatro, alle arti visive, coinvolgendo artisti affermati e giovani talenti. Accanto agli eventi culturali, offre una ricca gamma di attività formative in continua evoluzione: laboratori di scrittura, pittura, scultura; l’apprendimento di lingue straniere; yoga, tai-chi, scacchi e non manca la scuola di cucina, pensata per unire creatività e tradizione gastronomica.

Il Refettorio è il punto d’incontro per eccellenza, più di un semplice ristorante, dove spettacoli e momenti di socialità si mescolano con una cucina di eccellenza.

Guidata da una filosofia inclusiva e libera da vincoli ideologici, la Fondazione POMA è un laboratorio di crescita personale e condivisione, dove il dialogo e la ricerca del bello si intrecciano in ogni attività.

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POMA liberatutti E.T.S.
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Il trittico di Spinello Aretino raffigurante la Madonna col Bambino in trono e quattro angeli fra i santi Paolino vescovo, Giovanni Battista, Andrea, Matteo, e i Profeti Geremia e Mosè nei tondi superiori, torna a splendere nella Galleria dell’Accademia di Firenze, dopo un importante intervento di restauro, avviato nel novembre 2024 e appena concluso, accompagnato da una completa campagna di indagini diagnostiche. I risultati e l’opera saranno al centro di un’esposizione dedicata, allestita nelle sale del primo piano riservate alla pittura fiorentina del Tardo Trecento, visitabile dal 24 febbraio all’11 maggio 2026.

“L’allestimento creato per il ritorno nelle sale della Galleria dell’Accademia di Firenze del trittico di Spinello Aretino – sottolinea il direttore generale Andreina Contessa – nasce dall’idea di valorizzare non solo la qualità straordinaria dell’opera e la sua importanza nell’evoluzione della pittura toscana a cavallo tra la fine del Trecento e l’inizio del Quattrocento, ma soprattutto di mettere in luce il lavoro invisibile che si svolge quotidianamente dietro le quinte di un museo e che vogliamo condividere con il pubblico. Un lavoro fatto di collaborazione e di studio, finalizzato alla cura del patrimonio delle nostre collezioni, che rappresenta uno degli obiettivi che mi sono posta alla guida di questa nuova istituzione museale. Con questa mostra, che documenta le varie fasi dell’intervento di restauro, vogliamo coinvolgere sempre di più i visitatori, cercando di sensibilizzare verso un turismo più consapevole”.

All’interno dell’esposizione, a cura delle funzionarie della Galleria dell’Accademia di Firenze e dei Musei del Bargello, Elvira Altiero, storica dell’arte, ed Eleonora Pucci, restauratrice, un video racconterà la storia conservativa del dipinto e le diverse fasi dell’intervento, con il supporto di testi e immagini di approfondimento. Il progetto di allestimento è a cura degli architetti Claudia Gerola, Barbara Francalanci e Roberto Lembo. Il restauro è stato eseguito da Andrea e Lucia Dori, l’intervento sul supporto ligneo si deve a Roberto Buda, le indagini sono state realizzate da Ottaviano Caruso; tutte le operazioni si sono svolte sotto la direzione di Elvira Altiero ed Eleonora Pucci.

Spinello di Luca, noto come Spinello Aretino in quanto originario di Arezzo, fu tra i protagonisti della pittura toscana tra la fine del Trecento e i primi anni del Quattrocento. Realizzò tavole d’altare e importanti cicli di affreschi, contribuendo al rinnovamento del linguaggio figurativo del suo tempo.

Il trittico, un dipinto su tavola a fondo oro, firmato e datato 1391, fu commissionato dal mercante lucchese Paolino di Simonino di Bonagiunta per l’oratorio di Sant’Andrea a Lucca: i santi raffigurati nei pannelli laterali rendono omaggio a sant’Andrea, titolare della chiesa, e ai nomi del donatore e dei suoi fratelli. Fu realizzato da Spinello in un periodo di frequenti spostamenti dell’artista tra le città di Lucca, Pisa e Firenze e costituisce un punto fermo per la ricostruzione della carriera del pittore.

Nel 1850 il trittico rischiò di essere esportato all’estero a seguito di una vendita illecita, vendita bloccata tempestivamente dal governo toscano che ne sancì la definitiva assegnazione alla Galleria dell’Accademia di Firenze.

Prima dell’attuale intervento, il dipinto presentava un aspetto profondamente alterato a causa delle molteplici vicissitudini attraversate nel corso dei secoli. Depositi superficiali, stuccature debordanti e degradate, mancanze, fenditure del supporto ligneo, strati di vernice e colle ossidate, estese ridipinture interferivano pesantemente sulla sua leggibilità.

Le indagini diagnostiche preliminari hanno consentito di distinguere gli interventi successivi dalle parti originali, individuare il disegno preparatorio e ottenere informazioni sui materiali e sui pigmenti impiegati dall’artista.

Il restauro ha avuto come obiettivo il recupero delle parti originali e il ripristino dell’equilibrio e della continuità visiva del trittico, migliorando la percezione estetica e la fruizione dell’opera, nel rispetto dei principi di reversibilità e riconoscibilità dell’intervento, con integrazioni riconoscibili da vicino, ma discrete nella visione d’insieme.

La fase più importante e delicata è stata quella della pulitura. Le operazioni si sono svolte in maniera graduale, decidendo via via il livello ottimale, affrontando prima la pulitura superficiale dalle polveri e particellato, proseguendo con la solubilizzazione delle colle e delle vernici. La rimozione delle ridipinture alterate, che compromettevano fortemente la leggibilità dell’opera ha permesso di riscoprire il blu originale del manto della Madonna, a base di azzurrite e oltremare naturale.

Il lavoro sul supporto ligneo è consistito nell’asportazione delle vecchie traverse frutto di un restauro precedente, nell’allineamento delle assi e nell’applicazione su ciascun pannello di nuove traverse in legno di castagno, ancorate con meccanismi elastici tramite delle molle coniche.

L’intervento ha restituito piena brillantezza alle cromie, riportando in evidenza i delicati passaggi di luce, il ritmo elegante dei panneggi e la resa degli incarnati, modellati con sottili pennellate di carattere grafico. Ne emerge con rinnovata chiarezza l’elevata qualità dell’opera, testimonianza preziosa dell’attività di Spinello Aretino a Lucca.

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Con la mostra dedicata a Mario Strippini, che si inaugura giovedì 19 febbraio, alle 19.00, presso la Trattoria 4 Leoni, si chiude la rassegna Fotografia – Tracce Fiorentine che ha visto dal 7 marzo del 2025 avvicendarsi cinque personali di altrettanti fotografi, di generazioni diverse, legati a Firenze per nascita o formazione, a partire da Franco Cammarata, Lorenzo Bojola, Massimo D’Amato, Lapo Pecchioli e Gianluca Sgherri.

Il progetto – a cura della storica dell’arte e della fotografia Anna Maria Amonaci e organizzato dal titolare della trattoria, Stefano Di Puccio – ha posto l’accento su come l’espressione di un artista sia segnata profondamente dai luoghi della sua formazione, riprendendo il pensiero di Giorgio Vasari che, nelle Vite degli artisti, sottolineava le differenze stilistiche tra le scuole

pittoriche italiane e come contesti diversi orientino in modo emblematico le scelte artistiche, sia in pittura allora che, oggi, analogamente, nella fotografia. Il titolo “Tracce” richiama proprio l’imprinting iniziale che un ambiente lascia sui suoi abitanti, plasmandone la percezione e la visione del mondo.

La Trattoria 4 Leoni, nel cuore dell’Oltrarno fiorentino, trasformata in una galleria d’arte, ha raccontato, come fossero capitoli di uno stesso plot narrativo, paesaggi, architetture, luci e atmosfere del territorio, declinati attraverso lo sguardo e la sensibilità dei singoli autori, ognuno riconoscibile per la propria cifra stilistica.

Epilogo di questa sequenza è l’esposizione di Mario Strippini. Nato a Firenze nel 1943, dopo il Magistero in grafica, fotografia e pubblicità all’Istituto d’Arte di Firenze (1963), frequentò l’Accademia di Belle Arti, dove fu significativo l’insegnamento di Primo Conti. Tra i suoi docenti anche il giovane Carlo Del Bravo, la cui impostazione storico-umanistica lasciò un’impronta duratura nella sua visione. Iniziò la sua carriera nel 1968 aprendo un suo studio fotografico, condiviso fino al 1975 con l’amico fotografo Aldo Fallai. Negli anni Ottanta, Strippini ideò importanti esposizioni presso la Galleria Vivita, in Borgo degli Albizi, tra gli spazi più significativi

per l’arte contemporanea a Firenze in quel decennio. Nello stesso periodo fondò, insieme a Maria Teresa Faini, il marchio Dodo, che proponeva arredi in legno dipinto in dialogo con l’estetica Neo Pop, in sintonia con le esperienze milanesi di Studio Alchimia.

“Nelle immagini di Mario Strippini – scrive Anna Maria Amonaci nel testo critico che accompagna la mostra – si individua quel rigore dello sguardo attento a fissare assetti geometrici degli spazi e mirato a rappresentare in fondo un ordine pieno e limpido di forte misura, direi metafisico, riferibile al genius loci di Firenze, a quell’essenza stessa della città, fatta di elementi materiali, quali il paesaggio e l’architettura, e da quelli immateriali: la storia, la cultura, la luce, i profumi, i sapori, la cui somma crea sensorialmente la struttura profonda di ognuno di noi.”

Durante la sua carriera, ha sperimentato vari stili, passando dalla fotografia documentaristica a scatti minimalisti e concettuali, soprattutto agli esordi, approdando negli anni Ottanta a un linguaggio pienamente postmoderno, cercando sempre di esplorare nuove forme espressive. Nella mostra, dagli scatti degli anni ’60, fino ad altri più recenti, emerge una sintesi della ricerca artistica di Strippini: una fotografia sempre modernissima, capace di interrogare lo spazio e la forma.

Legato inizialmente al mondo dei giovani creativi fiorentini dell’epoca, lo studio di Strippini e Fallai era tra i più rinomati nell’ambito della fotografia di moda e dello Still Life, tra i loro clienti figuravano Ferragamo, Gucci, Emilio Pucci e, allora emergenti, Cavalli e Armani. La mostra documenta parte di questo periodo mettendo insieme ritratti, come quello di Armani realizzato durante una festa del 1970, a foto realizzate negli atelier con set e composizioni decisamente innovativi. Di grande suggestione sono le immagini dedicate alla città, da Fontana in Piazza della Signoria a Inverno a Boboli, da Porta San Frediano a In Piazza Tasso, con il formidabile dettaglio del lenzuolo steso alla finestra, tutto giocato sulla semplicità delle linee geometriche della composizione e sui contrasti, virati sui toni del seppia. Notevole anche la capacità di immortalare l’espressione dei volti delle persone colte di passaggio nella serie Immagini sul Ponte Vecchio. Nelle vedute di Boboli, dove ad esempio una statua, coperta da un telo, è avvolta dalla nebbia, o in altre, come Pioggia nel Pineto, emerge un’atmosfera densa di mistero e di silenzio tangibile.

Chiude idealmente il percorso lo scatto A Bolsena da Franco Travisi (1962), uno spettacolare ritratto che sembra un fotogramma del Neorealismo italiano. Un volto di un bambino, ripreso di tre quarti, con due uccellini, posizionati tra il suo collo e la spalla, anch’essi con la stessa posizione, che accompagnano lo sguardo intenso del fanciullo.

Fotografia – Tracce fiorentine nasce da un’idea di Anna Maria Amonaci, promossa da Stefano Di Puccio, che dal 1995 gestisce la storica Trattoria 4 Leoni, punto di riferimento nel cuore dell’Oltrarno fiorentino, non solo gastronomico. Negli anni Di Puccio ha contribuito con passione alla valorizzazione del quartiere, promuovendo numerose iniziative artistiche come Settembre in Piazza della Passera, che ha animato la piazza dal 2002 al 2019, incontri e mostre, l’ultima dedicata al fotografo Carlo Fei. La collaborazione tra Anna Maria Amonaci e Stefano Di Puccio è iniziata già nel 2005 con l’esposizione dello scultore Filippo Dobrilla e successivamente con quella di Gianluca Maver, con grandi foto esposte negli ambienti esterni alla trattoria.

Informazioni
TRATTORIA 4 Leoni
tel. 055 218562
info@4leoni.com  | www.4 Leoni

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