Si conclude uno dei più importanti interventi di recupero e valorizzazione realizzati negli ultimi decenni sul patrimonio culturale dell’Isola d’Elba. Venerdì 19 giugno 2026, alla presenza della Direttrice regionale Musei nazionali Toscana del Ministero della Cultura, Carlotta Paola Brovadan, del Sindaco di Portoferraio Tiziano Nocentini e delle autorità civili e culturali del territorio, saranno inaugurati i giardini delle Residenze Napoleoniche dell’Isola d’Elba restaurati e riaperta la Palazzina dei Mulini, al termine del complesso progetto di restauro finanziato attraverso il Piano Nazionale di Ripresa e Resilienza, che restituisce al pubblico di cittadini e turisti l’intera bellezza dei giardini, ampie porzioni di percorsi, bastioni e aree verdi rimaste per lungo tempo inaccessibili o compromesse.

Contestualmente sarà inaugurata la mostra antologica “50 Years of Creation” del Maestro Andrea Roggi, un grande progetto espositivo che celebra cinquant’anni di attività artistica attraverso un percorso diffuso tra la Palazzina dei Mulini, Villa San Martino e il Molo Elba di Portoferraio.

La riapertura al pubblico delle Residenze Napoleoniche avverrà dal giorno successivo, sabato 20 giugno.

Un investimento PNRR da due milioni di euro

L’intervento, finanziato integralmente dal Ministero della Cultura nell’ambito dell’Investimento PNRR 2.3 “Programmi per valorizzare l’identità dei luoghi: parchi e giardini storici”, ha beneficiato di un finanziamento complessivo di 1.999.980 euro.

I Musei Nazionali delle Residenze Napoleoniche dell’Isola d’Elba – Villa San Martino e Palazzina dei Mulini – erano stati selezionati tra i migliori progetti nazionali dedicati al recupero dei giardini storici, riconoscendo l’eccezionale valore storico, paesaggistico e culturale dei luoghi che ospitarono Napoleone Bonaparte durante il suo esilio elbano tra il 1814 e il 1815.

L’obiettivo dell’intervento è stato quello di restituire leggibilità storica e piena fruibilità a un sistema monumentale unico, ampliando le aree accessibili al pubblico e rafforzando il rapporto tra le residenze napoleoniche e il territorio circostante. L’intervento nasce da un ampio lavoro di ricerca storica, archivistica e paesaggistica che ha permesso di ricostruire l’evoluzione delle due residenze e dei loro spazi aperti, approfondendo il rapporto tra architettura, paesaggio e progetto napoleonico dell’isola. Lo studio ha evidenziato come Napoleone considerasse i giardini parte integrante della propria visione politica e residenziale: non semplici spazi ornamentali, ma luoghi produttivi, di rappresentanza e di controllo del territorio.

Il restauro dei Giardini storici della Palazzina dei Mulini

Il recupero dei giardini della Palazzina dei Mulini, nel cuore della cittadella medicea di Portoferraio è stato sviluppato attraverso un rigoroso approccio filologico fondato sullo studio della documentazione storica, delle stampe ottocentesche e delle testimonianze archivistiche che descrivono l’assetto dei giardini durante il soggiorno napoleonico.

Il restauro ha consentito di ripristinare il disegno storico del giardino all’italiana, recuperando percorsi, terrazzamenti, visuali panoramiche e aree botaniche, con la reintroduzione delle essenze arboree e arbustive documentate nelle fonti storiche.

Particolare attenzione è stata dedicata alla ricostruzione del rapporto tra il giardino napoleonico e il sistema dei bastioni medicei, restituendo continuità tra architettura, paesaggio e fortificazioni storiche.

I visitatori potranno nuovamente percorrere uno degli spazi più suggestivi dell’isola: oltre 5.000 metri quadrati di giardini affacciati sulla rada di Portoferraio e sul mare aperto, da sempre considerati parte integrante della residenza imperiale.

Villa San Martino e il Parco napoleonico

A Villa San Martino il progetto si è concentrato sul recupero del rapporto tra la residenza e il paesaggio rurale e forestale circostante, secondo l’originaria concezione napoleonica della “tenuta modello”, dedicata insieme agli otia del gentiluomo di campagna e alla sperimentazione agricola.

Sono stati restaurati e messi in sicurezza i percorsi storici, recuperate le connessioni con il sistema ambientale del territorio elbano e valorizzati gli elementi architettonici e naturalistici presenti nel parco. Il restauro si è concentrato sulle architetture vegetali, sul recupero delle specie storiche, con la riqualificazione delle pavimentazioni, il miglioramento dell’accessibilità e la valorizzazione delle visuali storiche e paesaggistiche, per trasformare i giardini in un sistema culturale e naturalistico aperto e pienamente integrato nel territorio.

L’intervento ha interessato anche il sistema della sentieristica, le fontane ornamentali, le sedute in pietra, le vasche storiche e la Fontana di Napoleone, restituendo al pubblico un articolato percorso immerso in circa 35.000 metri quadrati di parco storico.

Un’attenzione particolare è stata inoltre dedicata all’accessibilità, alla qualità dell’accoglienza e al miglioramento complessivo della fruizione dei due complessi museali.

Un progetto di studio e ricerca

Il restauro è il risultato di un lungo lavoro di ricerca storica, archivistica e paesaggistica che ha consentito di ricostruire l’evoluzione delle due residenze e dei loro spazi aperti.

Gli studi filologici e storici sono stati curati dal Direttore delle Ville Napoleoniche Andrea Camilli; il procedimento è stato seguito dal RUP Luca Gullì con la collaborazione di Luciana Linzalone e Francesca Bacci, mentre la progettazione e la direzione scientifica degli interventi sui giardini sono state affidate allo studio Bellesi Giuntoli.

L’intero percorso progettuale è illustrato nel volume “I giardini delle Residenze Napoleoniche dell’Isola d’Elba. La storia e il progetto di restauro”, a cura di Andrea Camilli e Luca Gullì, pubblicato da Pacini Editore.

Il progetto rappresenta uno degli interventi più significativi degli ultimi decenni sul patrimonio napoleonico dell’Elba e costituisce un passaggio fondamentale nel processo di rilancio e valorizzazione delle due residenze museali, tra i luoghi più visitati del sistema culturale toscano.

La riapertura del 20 giugno segnerà quindi non solo la restituzione di importanti spazi monumentali alla collettività, ma anche il completamento di un articolato percorso di studio, tutela e rigenerazione paesaggistica che restituisce nuova leggibilità storica ai luoghi vissuti da Napoleone durante il suo esilio elbano.

I lavori non si esauriscono con queste realizzazioni; sono previsti a breve la completa revisione dei percorsi di visita, con un articolato sistema di didattica, la realizzazione di nuovi ingressi e ulteriori interventi di valorizzazione delle aree e degli edifici parte dei complessi

“50 Years of Creation”

L’arte di Andrea Roggi nelle Residenze Napoleoniche

La conclusione dei lavori coincide con l’inaugurazione di “50 Years of Creation”, la grande mostra antologica dedicata ad Andrea Roggi.

Dopo la presentazione internazionale alle Galeries Bartoux di Parigi, il progetto approda all’Isola d’Elba sviluppandosi tra la Villa dei Mulini, la Villa di San Martino e un’installazione monumentale sul Molo Elba di Portoferraio, proponendo un dialogo originale tra arte contemporanea, storia e paesaggio.

50 Years of Creation offre l’occasione per rileggere l’evoluzione della ricerca di Roggi, dagli esordi degli anni Ottanta fino alle opere più recenti. Al centro della sua poetica si ritrovano temi che attraversano l’intero percorso dell’artista: il rapporto tra uomo e natura, il simbolo dell’Albero della Vita, l’idea di crescita, rinascita e connessione tra le generazioni.

Nel corso dei decenni Roggi ha sviluppato un linguaggio immediatamente riconoscibile, caratterizzato da figure umane che si fondono con elementi vegetali e da un costante equilibrio tra forza plastica e tensione spirituale. Parallelamente ha approfondito la propria ricerca tecnica, arrivando a elaborare la fusione dinamica, procedimento che consente alle sue sculture monumentali di svilupparsi nello spazio attraverso equilibri complessi e forme sospese.

La mostra all’Isola d’Elba non si presenta come una semplice antologica, ma come un racconto che mette in relazione opere, luoghi e memoria. Le sculture dialogano infatti con gli spazi legati alla presenza napoleonica sull’isola, costruendo un percorso che attraversa architetture storiche, scorci affacciati sul mare e luoghi simbolici della città di Portoferraio.

Attraverso 50 Years of Creation, il pubblico è invitato a ripercorrere una ricerca artistica che nell’arco di mezzo secolo ha mantenuto una forte coerenza poetica, continuando al tempo stesso a rinnovarsi nel confronto tra materia, natura e visione contemporanea.

Napoleone e il Premio Letterario: il libro come fondamento di memoria e conoscenza 

Nell’ambito dell’apertura straordinaria di sabato 20 giugno, alle ore 17.45, nelle sale della Palazzina dei Mulini si terrà il lancio ufficiale della 54ª edizione del Premio Letterario Internazionale Isola d’Elba, promosso dal Comitato del Premio in occasione dei 150 anni del Corriere della Sera, in collaborazione con il Comune di Portoferraio, la Gestione Associata per il Turismo e le associazioni di categoria elbane. La presenza nelle ville napoleoniche di una tale iniziativa non è casuale, ma strettamente collegata con l’istituzione della prima biblioteca civica dell’Isola, conseguenza diretta del lascito di Napoleone all’Isola d’Elba all’atto della sua partenza, che ha comportato il conferimento al popolo elbano della biblioteca privata dell’Imperatore, quella stessa costituita dai volumi scelti che lo avevano seguito in esilio da Fontainebleau.

La mostra “50 Years of Creation” è compresa nel biglietto di ingresso dei Musei Nazionali delle Residenze Napoleoniche.

Aperture straordinarie per il fine settimana inaugurale Palazzina dei Mulini e Villa San Martino

sabato 20 e domenica 21 giugno 2026, ore 9.00 – 18.30 ultimo ingresso ore 18.00
Successivamente entreranno in vigore i consueti orari di apertura alternata delle due sedi museali.

Palazzina dei Mulini:

lunedì e giovedì 14.00-18.30 (ultimo ingresso ore 18.00);
martedì chiusura settimanale;
mercoledì e venerdì 09.00-13.30 (ultimo ingresso ore 13.00);
sabato, domenica e festivi 09.00-13.30 (ultimo ingresso ore 13.00)

Villa di San Martino:

lunedì chiusura settimanale;
martedì e giovedì 09.00-13.30 (ultimo ingresso ore 13.00);
mercoledì e venerdì 14.00-18.30 (ultimo ingresso ore 18.00);
sabato, domenica e festivi 09.00-13.30 (ultimo ingresso ore 13.00).

Informazioni
50 Years of Creation
Opere di Andrea Roggi
Musei Nazionali delle Residenze Napoleoniche e Molo Elba, Portoferraio
Estate 2026
www.andrearoggi.com

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Dall’11 giugno al 3 ottobre 2026, Crumb Gallery, Firenze, ospita Fino a qui, personale di Maura Banfo. Il titolo della mostra restituisce con immediatezza il carattere processuale della ricerca dell’artista: un movimento che rifiuta la forma definitiva e si misura invece con il tempo, il ritorno, la trasformazione. Fino a qui non indica una conclusione, ma una soglia temporanea, un punto di passaggio all’interno di un percorso che continua a ridefinirsi.

Maura Banfo raccoglie frammenti, piume, conchiglie, fiori, nidi e vecchie fotografie, elementi che vengono accolti nella sua ricerca e restituiti a una nuova possibilità di esistenza, all’interno di un processo continuo di rigenerazione che segue il ritmo naturale delle cose.

L’esposizione, un progetto pensato e ideato per Crumb Gallery, presenta lavori differenti – polaroid, fotografie, chine e una ceramica smaltata – che si dispongono nello spazio come racconti brevi, nuclei visivi autonomi capaci di evocare una presenza, un tempo, una traccia. Molte delle polaroid sono state realizzate durante il periodo del Covid: immagini intime, sospese, in cui l’essenza dell’artista emerge in modo sottile ma costante, come misura silenziosa dell’esperienza e del tempo trascorso. Il suo corpo fisico compare, invece, in alcuni dettagli, elementi minimi, come nella fotografia dei suoi piedi che indossano scarpette dorate, che segna idealmente l’inizio della mostra, come per dire, appunto: “Fino a qui”, ci sono.

Le chine introducono invece una dimensione più essenziale e meditativa. Segni, vuoti e stratificazioni leggere costruiscono immagini che sembrano affiorare lentamente, custodendo qualcosa di fragile e incompiuto. Anche qui il lavoro non cerca una forma definitiva, ma rimane aperto, sospeso nella possibilità del ritorno e del mutamento.

Completa il percorso una ceramica smaltata, presenza materica che condensa la stessa tensione tra permanenza e precarietà che ritorna costantemente nel lavoro dell’artista.

«Non mi interessa chiudere il lavoro. Non mi interessa arrivare a una forma definitiva. Mi interessa restare dentro il processo», racconta Banfo nell’intervista con Rory Cappelli nel catalogo realizzato per l’occasione (Collana Nolines, Edizioni Crumb Gallery). Una dichiarazione che attraversa l’intera mostra e ne definisce il ritmo. Fino a qui diventa così la narrazione di una consapevolezza: ogni approdo è provvisorio, ogni immagine è un passaggio, ogni ritorno contiene già una trasformazione. Non una fine, ma un nuovo inizio possibile che si apre a nuove visioni.

Maura Banfo (Torino 1969). Il suo lavoro dagli anni Novanta a oggi, ha segnato delle tappe importanti nel sistema dell’arte contemporanea italiana, con uno sguardo e una presenza significativa anche in ambito internazionale. Maura Banfo ha sempre subìto la fascinazione della materia: nella sua ricerca pluridecennale costellata di mostre, residenze d’artista e molti riconoscimenti, ha attentamente indagato osservando la realtà, a partire dagli oggetti che la circondavano e decidendo di restituirli con il mezzo fotografico (e non solo) come nuove entità spogliate del loro significato, architetture da esplorare, entità da osservare sotto punti di vista inediti per aprirli a nuovi codici di senso. La sua forza sta nel mantenere ben riconoscibile la propria impronta creativa e la propria poetica, ma in una continua scoperta di nuove sfaccettature e punti di vista: sebbene prevalga una preferenza per la fotografia, lavora con padronanza anche con il video e l’installazione, e da diversi anni porta avanti un progetto di ricerca sulla ceramica. Le sue opere sono presenti in molte collezioni private e pubbliche sia in Italia che all’Estero.

Nel 2026 è vincitrice del primo premio della V edizione di Be Natural Be Wild, il concorso promosso dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Biella nell’ambito di Selvatica – Arte e Natura in Festival.

Informazioni
CRUMB GALLERY
Via San Gallo, 191 rosso | 50129 Firenze
orario giovedì, venerdì e sabato dalle 16 alle 19, o su appuntamento
tel. 347 3681894
crumbgalleryfi@gmail.com | www.crumbgallery.com
FB CrumbGallery
IG Crumbgallery

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Nel cuore del Chianti, il borgo medievale di Radda accoglie, dal 6 giugno al 20 settembre 2026, il lavoro del pittore e scultore Sergio Fiorentino. Con Radda Arte 2026 le sue opere – segnate dall’inconfondibile blu ultramarino che contraddistingue la sua ricerca – si inseriscono tra vicoli, piazze e spazi del paese, costruendo un itinerario espositivo diffuso che mette in dialogo mito mediterraneo, tradizione figurativa e paesaggio toscano.

Il progetto – curato da Mila Sturm ed organizzato da Radda Estate d’Arte APS, la cui presidente è Barbara Widmer – nasce nel solco dell’esperienza di Panzano Arte 2019 e rinnova nel territorio del Chianti l’incontro tra arte contemporanea e paesaggio. L’iniziativa è realizzata grazie al sostegno di: Fondazione Caris, main sponsor; Comune di Radda in Chianti; delle aziende Brancaia, Edilchianti, Frontiers, Montevertine, Tuscany Green, Castello di Albola, Tenuta Terrabianca-Arillo in Terrabianca.

Si distingue inoltre per la collaborazione con il Liceo Artistico “Duccio di Buoninsegna” di Siena, iniziata a febbraio 2026, fino all’allestimento della mostra, con masterclass e workshop, ai quali hanno partecipato ventitre studenti.

IL PERCORSO ESPOSITIVO

Elemento visivo ricorrente lungo tutta la mostra è la cifra pittorica di Fiorentino, fatta di tonalità intense e stratificate, in cui il blu ultramarino dialoga con una costellazione di figure, volti e presenze sospese. Santi, apparizioni e frammenti umani emergono dalle facciate del borgo in un continuo equilibrio tra memoria, spiritualità e visione. Evocano così una dimensione atemporale e simbolica, dove l’immagine sembra affiorare da un luogo interiore, mitico e contemplativo.

L’itinerario espositivo si sviluppa sia nel borgo di Radda che nella bellissima Chiesa di Santa Maria Novella, distante pochi chilometri verso Volpaia, recentemente aperta al pubblico dopo lunghi anni di restauro avviati nel 1990. L’edificio, uno dei più notevoli esempi di pievi romaniche della zona, accoglie quattro grandi dipinti di santi di Sergio Fiorentino che instaurano un rapporto intimo con l’architettura sacra, mentre sui muri esterni fluttuano drappeggi monumentali che riproducono le sue pitture.

A Radda, invece, l’esposizione si snoda in tutto il centro storico. Lungo la strada principale, gigantografie, pitture monumentali, sculture e installazioni stabiliscono un dialogo diretto con l’intimità raccolta del paese, invitando il visitatore ad attraversarlo seguendo le opere. Davanti al sagrato della Chiesa di San Niccolò, si trova un’installazione composta da nove sculture della serie Segreti, teste che si aprono rivelando una dimensione interiore e misteriosa. Il luogo di accoglienza al pubblico, in pieno centro del paese, diventa per l’occasione una galleria che accoglie cinque grandi opere oltre a due più piccole, insieme ad altri oggetti, tra cui mobili-sculture e vasi dedicati alla figura di San Sebastiano, creati nello studio di Noto dell’artista, che trovano ispirazione da colori, materiali e suggestioni del passato, rielaborati in chiave onirica.

Il progetto coinvolge inoltre direttamente lo spazio pubblico attraverso la partecipazione degli studenti del Liceo, che realizzeranno 23 manifesti, uno ciascuno, installati nell’area normalmente destinata alle affissioni elettorali: una personale interpretazione del tema “Blue: Fiorentino and Me”, trattato durante il workshop, trasformando questi contesti solitamente legati alla comunicazione politica in luoghi di espressione visiva e creativa.

Durante tutta la durata della rassegna, il blu dell’artista diventa anche un segno nel paesaggio: i campanili delle due chiese, di Santa Maria Novella e di San Niccolò, saranno illuminati con una luce blu visibile nella notte, un segnale luminoso legato alla presenza dell’artista.

L’ARTISTA SERGIO FIORENTINO

Pittore e scultore, Sergio Fiorentino, classe 1973, nato a Catania, profondamente legato alla Sicilia, vive e lavora in un ex-convento di Noto. La sua ricerca nasce da una profonda conoscenza della tradizione figurativa. Diplomato all’Accademia di Belle Arti di Catania e formatosi nel restauro del patrimonio storico, l’artista ha sviluppato un linguaggio in cui la luce mediterranea e la memoria del barocco siciliano dialogano con una sensibilità contemporanea. Sergio Fiorentino coniuga con grande virtuosismo un classicismo senza tempo con una modernità radicale. Nel contesto di Radda il suo immaginario incontra la misura e l’armonia del paesaggio toscano, generando un confronto tra due tradizioni visive che trovano nelle opere dell’artista un punto di equilibrio.

La manifestazione si inserisce inoltre nella tradizione delle grandi esperienze che hanno messo in dialogo arte contemporanea e territorio in Toscana. A partire dalle iniziative promosse negli anni Ottanta da Luciano Pistoi al Castello di Volpaia, fino ai progetti Arte all’Arte e Tuscia Electa, queste esperienze hanno costruito nel tempo un modello di confronto tra artisti, paesaggio e patrimonio storico. Radda Arte 2026 si colloca idealmente in questa linea, rinnovando nel Chianti l’incontro tra arte contemporanea e comunità.

Sergio Fiorentino trasforma Radda in un paesaggio sospeso tra mito e realtà. Un attraversamento tra arte e storia, dove ogni angolo del borgo diventa un frammento di universo pittorico e scultoreo, in sintonia con la luce e il respiro del Chianti.

Informazioni
Info center mostra
Via Roma 16a
53017 Radda in Chianti (Si)
Ore 11.00 – 19.00
Lunedi – Domenica
info@raddaarte.com

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Il Mediterraneo come spazio simbolico di incontro, memoria e visione contemporanea. E’ attorno a questa idea che prende forma Mare Nostrum, il percorso espositivo con cui Andrea Roggi sviluppa, in questa estate 2026, un itinerario tra Liguria e Sardegna, trasformando la scultura in uno strumento di dialogo con il territorio, con il mare e con a storia dei luoghi che lo accolgono.

Le monumentali opere in bronzo dell’artista toscano entrano così in relazione con città, porti e paesaggi affacciati sul mare, costruendo una narrazione che intreccia arte pubblica, identità culturale e memoria mediterranea. In Mare Nostrum il mare non è soltanto uno sfondo geografico, ma una presenza viva che attraversa le opere e ne amplifica il rapporto con lo spazio, con la luce e con la dimensione collettiva dei luoghi.

Il progetto prende forma in Liguria, tra Portofino, Genova e Alassio, attraversando contesti profondamente legati al mare e alla cultura degli scambi. A Genova, città storicamente aperta al Mediterraneo e agli attraversamenti, le opere di Roggi dialogano con un tessuto urbano di forte identità simbolica e culturale. Qui trovano spazio Ki, grande scultura dedicata all’energia vitale che attraversa l’esistenza e al legame tra memoria, amore e rinascita; Il Volo della Conoscenza, figura sospesa che interpreta la conoscenza come forza capace di elevare l’essere umano senza separarlo dalle proprie radici; Le Radici della Rinascita, opera inedita che riflette sul tempo e sulla possibilità di una nuova consapevolezza attraverso il simbolo dell’Albero della Vita; e Lěvitās, ispirata all’acqua come origine e forza generatrice della vita, in un movimento ascensionale che trasforma il bronzo in una visione di leggerezza e armonia spirituale. La materia bronzea di cui sono fatte le sculture si confronta con la stratificazione storica della città e con quella tensione continua tra radici e orizzonte che appartiene tanto alla poetica dell’artista quanto all’anima stessa di Genova.

l percorso ligure culminerà il prossimo 6 giugno ad Alassio, ultima tappa inaugurale di Mare Nostrum, dove saranno presentate L’Amore genera Vita, che riflette sul legame tra amore, tempo e rinascita attraverso il simbolo dell’albero che emerge dalla sfera del mondo, e Immagina un Mondo Nuovo, scultura che invita a interrogarsi sul futuro dell’umanità e sulla possibilità di costruire una realtà più armoniosa, evocando attraverso la forma dell’ulivo i temi della pace, della vita e della rigenerazione. La giornata inaugurale sarà inoltre segnata da un momento di particolare valore simbolico: l’affissione della mattonella celebrativa dedicata ad Andrea Roggi nel celebre Muretto di Alassio, accanto a quelle degli artisti e delle personalità che ne hanno costruito nel tempo la memoria culturale.

Mare Nostrum proseguirà poi in Sardegna con un nuovo appuntamento previsto tra il 25 e il 27 luglio, coinvolgendo Porto Cervo, Arzachena e Porto Rotondo. Anche in questa nuova tappa il progetto rinnoverà il proprio dialogo con il paesaggio mediterraneo, confrontandosi con la luce, con l’orizzonte e con territori in cui il rapporto tra natura e presenza umana conserva una forza particolarmente intensa.

La Sardegna rappresenta così la naturale prosecuzione di una ricerca artistica che trova proprio nel Mediterraneo una delle sue matrici più profonde: non soltanto un tema, ma uno spazio culturale condiviso, capace di mettere in relazione luoghi differenti attraverso il linguaggio dell’arte contemporanea. In questo contesto le opere di Andrea Roggi diventano presenze vive all’interno del paesaggio, instaurando un dialogo continuo tra uomo, natura, memoria e contemporaneità.

Contemporaneamente, all’Isola d’Elba si inaugura il 19 giugno 50 Years of Creation, percorso celebrativo dedicato ai cinquant’anni di ricerca artistica di Andrea Roggi, che parte negli spazi del Museo Nazionale delle Residenze Napoleoniche e prosegue tra la Palazzina dei Mulini, Villa San Martino e un’installazione a Portoferraio, al Molo Elba.

In continuità con il dialogo tra arte e Mediterraneo che attraversa Mare Nostrum, anche la tappa elbana costruisce un confronto diretto con il paesaggio, con la memoria storica e con il tema dell’approdo. Le sculture di Roggi entrano così in relazione con i luoghi legati alla presenza napoleonica sull’isola, intrecciando materia, storia e identità territoriale. Tra scorci sul mare, architetture storiche e spazi simbolici affacciati sul porto, il percorso restituisce una riflessione sul rapporto tra opera e luogo, confermando la centralità del Mediterraneo come elemento culturale e poetico nella ricerca dell’artista.

Il Mediterraneo come spazio simbolico di incontro, memoria e visione contemporanea. E’ attorno a questa idea che prende forma Mare Nostrum, il percorso espositivo con cui Andrea Roggi sviluppa, in questa estate 2026, un itinerario tra Liguria e Sardegna, trasformando la scultura in uno strumento di dialogo con il territorio, con il mare e con a storia dei luoghi che lo accolgono.

Le monumentali opere in bronzo dell’artista toscano entrano così in relazione con città, porti e paesaggi affacciati sul mare, costruendo una narrazione che intreccia arte pubblica, identità culturale e memoria mediterranea. In Mare Nostrum il mare non è soltanto uno sfondo geografico, ma una presenza viva che attraversa le opere e ne amplifica il rapporto con lo spazio, con la luce e con la dimensione collettiva dei luoghi.

Il progetto prende forma in Liguria, tra Portofino, Genova e Alassio, attraversando contesti profondamente legati al mare e alla cultura degli scambi. A Genova, città storicamente aperta al Mediterraneo e agli attraversamenti, le opere di Roggi dialogano con alcuni dei luoghi più rappresentativi del tessuto urbano cittadino, intrecciando materia, memoria e identità contemporanea.

In Piazza De Ferrari trova spazio Ki, grande scultura dedicata all’energia vitale che attraversa l’esistenza e che, attraverso il simbolo dell’Albero della Vita, mette in relazione passato, presente e futuro in un equilibrio profondo tra memoria, amore e possibilità di rinascita. Al Porto Antico, Il Volo della Conoscenza raffigura invece una figura femminile sospesa nell’aria, immagine di libertà e slancio interiore, dove la conoscenza diventa forza capace di elevare l’essere umano mantenendolo al tempo stesso saldo alle proprie radici. Alla Stazione Brignole viene presentata l’inedita Le Radici della Rinascita, opera che sviluppa il tema dell’Albero della Vita attraverso l’unione tra figura umana ed elementi naturali, in una riflessione sul tempo e sulla possibilità di una rinascita fondata su amore, altruismo e nuova consapevolezza. In Piazza Fontane Marose trova infine collocazione Campana Incontro dei Popoli, scultura che interpreta l’incontro tra culture come forza di dialogo, unione e condivisione, trasformando le figure intrecciate in un simbolo di comunità, pace e speranza.

Il percorso ligure culminerà il prossimo 6 giugno ad Alassio, ultima tappa inaugurale di Mare Nostrum. Sul Molo sarà collocata L’Amore genera Vita, opera che racconta il legame profondo tra amore, tempo e rinascita: la sfera richiama il mondo e il ciclo continuo dell’esistenza, mentre l’albero che emerge dalla sua apertura diventa simbolo della vita che nasce dall’unione, dalla memoria e dall’energia del presente. Vicino al celebre Muretto di Alassio, in Corso Dante Alighieri, troverà invece spazio Immagina un Mondo Nuovo, opera che invita a riflettere sul futuro dell’umanità e sulla possibilità di costruire una realtà più armoniosa. La forma sferica richiama il pianeta ma anche il frutto dell’ulivo, simbolo di pace, vita e rinascita, mentre la materia in trasformazione suggerisce l’idea di un mondo fragile ma ancora capace di rigenerarsi. Una versione dell’opera in formato ridotto sarà inoltre collocata direttamente sul Muretto di Alassio. La giornata inaugurale sarà inoltre segnata da un momento di particolare valore simbolico: accanto alla celebre scultura degli innamorati verrà infatti collocata la presenza celebrativa dedicata ad Andrea Roggi, inserendo così il nome dell’artista all’interno di uno dei luoghi più iconici della memoria culturale italiana.

Mare Nostrum proseguirà poi in Sardegna con un nuovo appuntamento previsto tra il 25 e il 27 luglio, coinvolgendo Porto Cervo, Arzachena e Porto Rotondo. Anche in questa nuova tappa il progetto rinnoverà il proprio dialogo con il paesaggio mediterraneo, confrontandosi con la luce, con l’orizzonte e con territori in cui il rapporto tra natura e presenza umana conserva una forza particolarmente intensa.

La Sardegna rappresenta così la naturale prosecuzione di una ricerca artistica che trova proprio nel Mediterraneo una delle sue matrici più profonde: non soltanto un tema, ma uno spazio culturale condiviso, capace di mettere in relazione luoghi differenti attraverso il linguaggio dell’arte contemporanea. In questo contesto le opere di Andrea Roggi diventano presenze vive all’interno del paesaggio, instaurando un dialogo continuo tra uomo, natura, memoria e contemporaneità.

Contemporaneamente, all’Isola d’Elba si inaugura il 19 giugno 50 Years of Creation, percorso celebrativo dedicato ai cinquant’anni di ricerca artistica di Andrea Roggi, che parte negli spazi del Museo Nazionale delle Residenze Napoleoniche e prosegue tra la Palazzina dei Mulini, Villa San Martino e un’installazione a Portoferraio, al Molo Elba.

In continuità con il dialogo tra arte e Mediterraneo che attraversa Mare Nostrum, anche la tappa elbana costruisce un confronto diretto con il paesaggio, con la memoria storica e con il tema dell’approdo. Le sculture di Roggi entrano così in relazione con i luoghi legati alla presenza napoleonica sull’isola, intrecciando materia, storia e identità territoriale. Tra scorci sul mare, architetture storiche e spazi simbolici affacciati sul porto, il percorso restituisce una riflessione sul rapporto tra opera e luogo, confermando la centralità del Mediterraneo come elemento culturale e poetico nella ricerca dell’artista.

Informazioni
Mare Nostrum
Opere di Andrea Roggi
Liguria | Genova, Portofino, Alassio
Sardegna | Porto Cervo, Arzachena, Porto Rotondo
Estate 2026
www.andrearoggi.com

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L’estate della Fondazione POMA Liberatutti di Pescia sarà dedicata alla fotografia.

Dal 4 giugno al 6 settembre 2026 verrà presentata la mostra L’ultimo fotografo – Giovanni Savino, a cura di Marta Convalle, che raccoglie una selezione di scatti nati dall’incontro dell’artista con persone e oggetti che si sono trovati dall’altra parte delle lenti delle sue innumerevoli macchine fotografiche. Particolare risalto sarà riservato ai suoi ritratti a occhi chiusi: immagini in cui ha catturato sogni, pensieri e dettagli del viso che spesso non guardiamo, rapiti dagli occhi e dalla loro profondità.

Giovanni Savino è pistoiese di nascita e newyorkese di fatto, perché la vita lo ha portato all’estero molto presto, prima in Inghilterra e poi in America.

Inizialmente avrebbe voluto fare il musicista, il trombettista per la precisione, poi l’ingegnere acustico, il documentarista e infine il fotografo, attività che ha accompagnato costantemente il suo percorso. Ha lavorato nel cinema e per la TV; è stato tecnico del suono, regista e produttore; è partito dalle reti televisive inglesi per poi collaborare per anni con la CBS alla trasmissione 60 Minutes a New York e in giro per il mondo, che ha raccontato in lungo e in largo attraverso i suoi obiettivi.

Ha incontrato e fotografato personalità di ogni tipo, da Gorbaciov a Clinton, e documentato alcuni dei fatti più drammatici degli ultimi quarant’anni, dal crollo delle Torri Gemelle al terremoto di Haiti.

Da pochi anni è tornato in Italia, vive a Pitigliano (GR) e ha rispolverato l’antico amore per la ritrattistica, scoperta negli anni passati in un altro dei luoghi più significativi del suo viaggio, la zona caraibica, in particolare Haiti e la Repubblica Dominicana, da lui raccontata in quattro documentari.

L’ultimo fotografo lavora ancora alla vecchia maniera, con strumenti anagraficamente antichi, ma capaci di regalare pezzi unici, come gli otturatori pneumatici, la pellicola, la vecchia carta, la camera oscura.

La fotografia per lui è incontro. Una foto non la fa il fotografo e non la fa la persona di fronte a lui, ma si fa insieme, determinata dall’alchimia che si instaura tra i due in un istante irripetibile.

Da qualche anno ama definirsi L’ultimo fotografo, e ci spiega lui il perché 

Laddove tutti vogliono essere i primi, a me piace essere l’ultimo.

[…] Chi mi conosce o mi vede lavorare, potrebbe pensare che io mi definisca “l’ultimo” essendo certamente uno degli ultimi a utilizzare antiche tecniche e vetuste macchine fotografiche.

Tra l’altro il mio “modus operandi” nel creare immagini non è molto ortodosso e quasi mai scientifico: semmai è guidato dalla poesia intrinseca che trovo in quel che osservo e dalla tattile semplicità delle mie macchine di legno.

[…] sono stanco di quella sterile, controproducente e patetica competizione da sempre vigente nel mondo della fotografia e dell’arte, sintetizzata dal celebre compositore Bela Bartok nella sua frase “la competizione è per i cavalli, non per gli artisti”.

Ho scelto ormai di non partecipare alla gara insulsa del più bravo, del più furbo, del più famoso, del più ricco, del numero uno.

L’autoproclamarmi ultimo mi dà carta bianca in tutti i miei successi e fallimenti, permettendomi di distillare, in silenzio, unici e preziosi insegnamenti da entrambi.

[…] Le fotografie davvero importanti sono pochissime nell’arco della vita di un fotografo.

Io credo che quelle poche immagini siano fenomeni non completamente umani, bensì largamente sovrannaturali: l’immagine che anelo veder rivelarsi alla luce rossa della camera oscura non dipende da un curriculum vitae illustre o dai premi prestigiosi ricevuti, sebbene da una pratica umile, coraggiosa e giornaliera.

L’artista deve cercare sempre nuove possibilità alchemiche per interpretare energie indefinibili attraverso la sua opera, per potersi stupire del risultato spesso inaspettato di cui egli è solo in parte l’esecutore materiale.

La mostra si apre con una miscellanea di trenta di fotografie di grande formato – 70×100 – in bianco e nero lungo la parete di ingresso della Fondazione. Seguono 13 fotografie 70×100 in bianco e nero sulle pareti del Refettorio, dedicate al tema del cibo e della convivialità. Al primo piano, nella Sala Maurizio Del Ministro, il percorso si concentra su una dimensione più intima e sospesa  con 17 scatti, sempre in grande formato e in bianco e nero, della serie Eyes closed; mentre nella sala Francesco il percorso si chiude con una selezione di miniature e con gli unici due ritratti a colori della mostra, che mostrano uno stesso volto prima a occhi aperti e poi di nuovo chiusi.

Il catalogo, pubblicato da Edizioni Fondazione POMA Liberatutti nella collana PomArte e curato da Marta Convalle, raccoglie i contributi critici di Rosa Pierno e Paolo Tesi e frammenti biografici a cura di Alberto Demagistris.

La mostra inaugura giovedì 4 giugno 2026 alle ore 18.30, alla presenza dell’artista, della curatrice, degli autori dei testi critici in catalogo e del Presidente della Fondazione POMA Liberatutti Paolo Trinci.

L’esposizione è visitabile dal mercoledì al sabato dalle 10.00 alle 12.30 e dalle 17.30 alle 22.00; la domenica dalle 10.00 alle 12.00 e dalle 17.30 alle 22.00.

Ingresso libero, senza obbligo di iscrizione alla Fondazione.

Fondazione POMA Liberatutti

Sulle sponde del fiume Pescia, nell’omonima città, sorge la Fondazione POMA Liberatutti. Un centro polifunzionale concepito per stimolare il libero pensiero e favorire l’incontro tra iniziative e forme artistiche diverse. Realizzata in un ex opificio ristrutturato, la Fondazione si presenta come una factory culturale.

Lo spazio ospita mostre d’arte, spettacoli dal vivo, conferenze ed eventi che spaziano dalla musica al teatro, alle arti visive, coinvolgendo artisti affermati e giovani talenti. Accanto agli eventi culturali, offre una ricca gamma di attività formative in continua evoluzione: laboratori di scrittura, pittura, scultura; l’apprendimento di lingue straniere; yoga, tai-chi, scacchi e non manca la scuola di cucina, pensata per unire creatività e tradizione gastronomica.

Il Refettorio è il punto d’incontro per eccellenza, più di un semplice ristorante, dove spettacoli e momenti di socialità si mescolano con una cucina di eccellenza.

Guidata da una filosofia inclusiva e libera da vincoli ideologici, la Fondazione POMA è un laboratorio di crescita personale e condivisione, dove il dialogo e la ricerca del bello si intrecciano in ogni attività.

Informazioni
POMA liberatutti
Piazza San Francesco 12
51017 Pescia (PT)
Tel. 0572 1770011
info@pomaliberatutti.it | www.pomaliberatutti.it
 

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Dopo il successo di Humanitas. La Forza dell’Amore, il progetto artistico di Andrea Roggi arriva in libreria con Humanitas, il volume pubblicato da Giunti Editore che raccoglie e approfondisce il percorso sviluppato dall’artista nel complesso monumentale della Basilica di San Lorenzo a Firenze.

Più di un semplice catalogo, il libro si configura come un viaggio all’interno dell’universo poetico e formale di Roggi, restituendo il dialogo tra le sue monumentali sculture in bronzo e uno dei luoghi più significativi della storia culturale fiorentina. Attraverso fotografie delle opere, materiali dedicati alla loro realizzazione e contributi critici a cura di Laura Speranza – accompagnati dalla presentazione di Marco Domenico Viola, Priore della Basilica di San Lorenzo – il volume documenta un progetto che intreccia arte contemporanea, memoria e spazio architettonico.

Le pagine di Humanitas accompagnano il lettore all’interno di una ricerca sviluppata lungo oltre quarant’anni di attività, dalle prime sperimentazioni plastiche degli anni Ottanta fino ai lavori più recenti, nei quali convivono fusione tradizionale, microfusione e “fusione dinamica”, tecnica ideata e brevettata dallo stesso Roggi. Un linguaggio scultoreo riconoscibile, capace di trasformare il bronzo in forme sospese e slanciate che sembrano sfidare la gravità.

Corpi che si fanno tronchi, rami e fronde d’ulivo proiettate verso il cielo: le opere di Roggi ruotano attorno all’immagine dell’Albero della Vita, tema centrale della sua poetica. Figure attraversate da una forte tensione vitale, nelle quali il rapporto tra essere umano e natura si traduce in simbolo di continuità, appartenenza e relazione. Le radici, spesso fuse con la forma del globo terrestre, evocano invece il legame profondo tra individuo e comunità, tra identità personale e dimensione collettiva.

Il volume dedica ampio spazio anche al processo creativo dell’artista, seguendo la nascita delle opere dal disegno iniziale alla modellazione in creta, fino alla fusione del bronzo e alla rifinitura finale. Accanto alle immagini delle installazioni, la documentazione dell’allestimento nel complesso laurenziano restituisce il confronto tra le sculture e gli spazi rinascimentali della basilica, evidenziando il rapporto tra materia contemporanea e patrimonio storico.

In una Firenze profondamente legata alla tradizione umanistica e all’idea della bellezza come valore civile, Humanitas si afferma come un progetto capace di mettere in relazione arte, spiritualità e riflessione sul presente. Il libro conserva questa esperienza e la trasforma in una narrazione visiva e critica che prolunga nel tempo la forza evocativa del progetto.

Andrea Roggi

Scultore toscano noto a livello internazionale, Andrea Roggi è autore di opere monumentali esposte in numerose città europee ed extraeuropee. La sua ricerca ruota attorno al tema dell’Albero della Vita, sviluppato attraverso una cifra stilistica riconoscibile che unisce figura umana, natura ed energia vitale. Nel corso della sua carriera ha sviluppato tecniche innovative di fusione, tra cui la “fusione dinamica”, da lui ideata e brevettata, che consente alle sue sculture di raggiungere sorprendenti equilibri formali.

Informazioni
www.giunti.it

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Galleria dell’Accademia di Firenze e Musei del Bargello avviano un nuovo, importante progetto di restauro dedicato al basamento del celebre Perseo di Benvenuto Cellini, uno dei capolavori assoluti della scultura fiorentina del Cinquecento.
All’interno del Museo Nazionale del Bargello ha inizio il restauro del basamento del Perseo, protagonista di un cantiere “live” allestito nella sala mostre al piano terra del museo. A partire dal 12 maggio 2026, il pubblico potrà accedere allo spazio di lavoro e seguire da vicino le diverse fasi dell’intervento, in programma fino al 5 settembre 2026.
“Aprire al pubblico un restauro così delicato e complesso significa condividere non solo il risultato finale, ma anche il processo di conoscenza che accompagna ogni intervento conservativo – spiega Andreina Contessa, Direttore Generale di Galleria dell’Accademia di Firenze e Musei del Bargello – Il cantiere live del basamento del Perseo permette ai visitatori di osservare da vicino il lavoro dei restauratori e di cogliere dettagli tecnici, esecutivi e materici spesso invisibili a uno sguardo non esperto. È un’occasione preziosa per avvicinare il pubblico alla comprensione profonda dell’opera e alla sua storia conservativa”.
Realizzato tra il 1549 e il 1553 su commissione di Cosimo I de’ Medici per accompagnare il celebre bronzo destinato alla Loggia dei Lanzi, il basamento marmoreo – conservato nella Sala di Michelangelo e della scultura del Cinquecento del Museo Nazionale del Bargello – costituisce un raffinato capolavoro di intaglio scultoreo, concepito come un’ara riccamente decorata e densa di significati simbolici. Ai quattro angoli si trovano protomi di caprone, allusive al segno zodiacale del Capricorno riconducibile al duca, mentre un articolato sistema decorativo fatto di fiaccole e mascheroni allude al trionfo della verità sull’inganno. Più in basso, le erme femminili, rappresentanti la figura di Diana Efesia, evocano la natura e la prosperità, mentre nelle nicchie trovano posto le quattro statuette bronzee raffiguranti Giove, Minerva, Mercurio e Danae con il piccolo Perseo.
Dopo quasi trent’anni dall’ultimo restauro, risalente al periodo 1995–2000, si rende oggi necessario un nuovo intervento conservativo volto a stabilizzare i processi di degrado e a migliorare la leggibilità estetica e materica dell’opera, compromessa da disomogeneità cromatiche e discontinuità formali. L’intervento rappresenta anche un’importante occasione di studio, che consentirà di approfondire la conoscenza del complesso sotto il profilo storico, conservativo e tecnologico, grazie all’impiego di metodologie aggiornate. Insieme al basamento e alle statuette bronzee sarà restaurata anche la spada in ferro del Perseo, solitamente esposta in una delle vetrine della sala dell’Armeria del museo.
Elemento centrale dell’iniziativa è il cantiere aperto al pubblico, che permetterà ai visitatori di osservare da vicino tutte le fasi del restauro durante il normale orario di apertura del museo. Il percorso sarà arricchito da pannelli informativi dedicati agli aspetti storico-artistici e tecnici e da un video che documenta, attraverso immagini storiche e contemporanee, le complesse vicende conservative dell’opera nel corso del Novecento. Accanto al cantiere, il museo promuoverà un programma di attività, tra cui appuntamenti condotti dai restauratori e dal personale del museo, con percorsi accessibili.
Il progetto di restauro è affidato a Martina Paladini per i bronzi e la spada, e a Nicoletta Carniel e Laura Benucci per il basamento lapideo, sotto la direzione lavori di Chiara Valcepina.
La storia conservativa del basamento del Perseo è intensa e ampiamente documentata. Tra i tanti episodi che la vedono coinvolta ricordiamo il periodo dei bombardamenti, durante la Seconda guerra mondiale, quando il Perseo e la sua base furono ricoverati in un locale sotto la Loggia dei Lanzi per garantirne al meglio l’incolumità. Nel 1945 Bruno Bearzi, lungimirante restauratore e punto di riferimento per la tutela della scultura in bronzo, venne incaricato di ricollocare tutte le opere d’arte al loro posto, una volta scongiurati i rischi legati al conflitto. In quella occasione Bearzi intervenne per consolidare l’ancoraggio della scultura alla sua base e sostituire la spada in ferro con una copia in bronzo che vediamo ancora oggi nella mano di Perseo. Nel 1980 la spada originale in ferro è stata trasferita presso il Museo Nazionale del Bargello, dove già erano pervenuti, sempre per ovviare all’inarrestabile processo di degrado, il rilievo bronzeo con Perseo che libera Andromeda e i quattro bronzetti del basamento marmoreo. Ritenuto inadatto al ricollocamento nella Loggia dei Lanzi, il basamento marmoreo è stato definitivamente ricoverato presso la sede museale del Bargello nel 2000 e qui ricongiunto alle quattro sculture in bronzo.

Informazioni
GAMB – Galleria dell’Accademia di Firenze e Musei del Bargello
Tel 055 0987100 |  055 0649440
ga-afi.mn-bar@cultura.gov.it
www.galleriaaccademiafirenze.it | www.bargellomusei.it
IG galleriaaccademiafirenze | bargellomuseums
FB galleriadellaaccademia | bargellomuseums

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Nasce l’identità visiva di GAMB – Galleria dell’Accademia di Firenze​ e Musei del Bargello, il nuovo istituto museale autonomo che riunisce alcuni dei principali luoghi della cultura fiorentina, tra cui la più significativa raccolta al mondo di opere​ scultoree di Michelangelo Buonarroti. Il progetto è firmato dallo studio Migliore+Servetto.​ Alla presentazione alla stampa sono intervenuti: Andreina Contessa, Direttore generale​ GAMB, Mara Servetto e Ico Migliore, fondatori dello studio Migliore+Servetto, Sara Funaro​ Sindaca di Firenze, Cristina Manetti, Assessora alla Cultura della Regione Toscana e​ Alessio de Cristofaro, DiVa, Direttore Istituto centrale per la valorizzazione economica e la​ promozione del patrimonio culturale (IC-VEPP), responsabile della nuova visione del​ merchandising museale del MiC e dei progetti finalizzati alla valorizzazione del patrimonio​ culturale italiano, anche attraverso il design contemporaneo, contribuendo allo sviluppo di​ un rinnovato approccio al merchandising museale.
L’iniziativa, fortemente voluta dal Direttore generale Andreina Contessa, rappresenta un​ passaggio strategico nella costruzione di un sistema museale integrato, capace di valorizzare una costellazione di sedi museali nel centro storico di Firenze e di rafforzarne la riconoscibilità​ complessiva.
GAMB nasce dalla volontà di dare forma unitaria a una realtà articolata che comprende, oltre alla​ Galleria dell’Accademia e al Museo Nazionale del Bargello, Orsanmichele, Casa Martelli, Palazzo Davanzati, Cappelle Medicee e l’ex Chiesa di San Procolo.​ Il pittogramma rappresenta una sintesi dinamica della distribuzione geografica delle sette sedi nel​ centro storico: un nucleo unitario da cui si diramano diversi bracci verso le diverse componenti del​ Polo, trasformando la mappa in elemento narrativo e simbolico dell’unità del sistema e della sua proiezione nella città.
«La nuova identità visiva – sottolinea il Direttore generale Andreina Contessa – rappresenta uno​ strumento fondamentale per rendere riconoscibile e coerente un sistema museale complesso e diffuso. È il segno di una visione condivisa, capace di restituire unità a una pluralità di sedi e di​ storie e di consolidarne il dialogo con la città e con i diversi pubblici. Il pittogramma ideato da​ Migliore+Servetto è un segno dinamico che suggerisce movimento e connessione, percorso e​ intersezione, ed evoca la possibilità di esplorazione e scoperta. Di fatto disegna una mappa che è al contempo geografica e concettuale, che unisce luoghi di arte e storia e genera esperienze e​ conoscenza intrecciate».

Informazioni
GAMB – Galleria dell’Accademia di Firenze e Musei del Bargello
Tel 055 0987100 |  055 0649440
ga-afi.mn-bar@cultura.gov.it
www.galleriaaccademiafirenze.it | www.bargellomusei.it
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Lungo la via Francigena, tra pellegrinaggi, accoglienza e cura, si sviluppa una delle più antiche tradizioni ospedaliere europee. È in questo contesto che a Siena nasce Santa Maria della Scala, uno dei più importanti ospedali del continente, la cui storia attraversa i secoli fino a oggi senza soluzione di continuità, trasferendo la propria funzione dalla sede storica di Piazza del Duomo alla moderna struttura sulla collina delle Scotte.

In questo solco di tradizione, l’ospedale Santa Maria alle Scotte di Siena ha inaugurato oggi, alla presenza del Presidente della Regione Toscana Eugenio Giani, il nuovo

ingresso della struttura, completamente riqualificato e concepito non solo come spazio di accesso, ma come ambiente capace di accogliere e generare benessere anche attraverso l’arte e la cultura.

Ad aprire il nuovo spazio espositivo è “Hospitalia”, a cura di Rita Scartoni. Attraverso una selezione di fotografie storiche degli Archivi Alinari, la mostra evidenzia il filo rosso che lega l’Ospedale Santa Maria alle Scotte alle sue antiche origini.

Le radici del termine “ospedale” affondano nel Medioevo, quando gli Hospitalia erano strutture nelle quali si praticava il valore cristiano della carità. Luoghi di accoglienza che offrivano riparo, cibo e assistenza a pellegrini, viandanti e bisognosi. È in questo contesto che a Siena, di fronte alla gradinata della Cattedrale, nasce Santa Maria della Scala, uno dei più antichi e importanti ospedali d’Europa. Una storia millenaria di cura e ospitalità che dalla fine dell’XI secolo arriva fino a oggi senza soluzione di continuità, trasferendo la propria funzione dalla sede storica di Piazza del Duomo alla moderna struttura sulla collina delle Scotte.

Il percorso espositivo si articola in un racconto che prende avvio dal complesso di Santa Maria della Scala, nel centro storico di Siena, con il Salone del Pellegrinaio e il suo straordinario ciclo di affreschi, e prosegue in una passeggiata ideale dall’antico ospedale al moderno policlinico delle Scotte, fino alla galleria di accesso — il nuovo ingresso dell’ospedale — che ospita la mostra.

“Hospitalia” costituisce la mostra permanente della Galleria Le Scotte. A questa si affiancheranno nel tempo ulteriori esposizioni temporanee, con l’obiettivo di rendere lo spazio un luogo dinamico e aperto al dialogo tra arte, storia e contemporaneità.

La mostra è accessibile anche attraverso l’app Bloomberg: inquadrando un QR code sarà possibile leggere le didascalie e i testi di mostra in tutte le lingue e ascoltare gli approfondimenti audio.

Informazioni
www.alinari.it

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Il 25 aprile 2026 riapre al pubblico OCA – Oasy Contemporary Art and Architecture, il progetto di Oasi Dynamo che negli ultimi tre anni ha portato arte e architettura contemporanee sull’Appennino Pistoiese, con un percorso immerso nella natura tra installazioni di artisti internazionali e uno spazio espositivo, dedicato a mostre d’arte e di fotografia. Sotto la direzione artistica di Emanuele Montibeller, OCA è cresciuta di anno in anno, offrendo un’esperienza unica in cui opere e paesaggio dialogano con boschi, radure e crinali, invitando i visitatori a scoprire una natura non più scenario, ma interlocutore attivo.

In questo paesaggio in continua trasformazione, il percorso permanente nell’oasi non vuole essere un semplice museo all’aperto né un parco di sculture, ma un progetto curatoriale unitario,

dove ogni intervento nasce dal confronto con il luogo e ne ridefinisce la percezione.

Per la stagione 2026, OCA accoglie una nuova presenza internazionale: l’artista belga Arne Quinze, che porta a Oasi Dynamo Ceramorphia, un’opera che va ad aggiungersi al percorso nella natura, e presenta nello spazio espositivo la mostra personale I’m a Gardener, che approfondisce la sua ricerca sul rapporto tra uomo e biodiversità.

Arne Quinze a OCA

L’installazione di Arne Quinze Ceramorphia, già presentata alla Biennale di Venezia del 2024, offre un dialogo profondo con il paesaggio

dell’Appennino Pistoiese: più che un oggetto, l’opera si configura come un dispositivo di pensiero, capace di instaurare una dinamica osmotica con l’ambiente circostante, senza imporsi né aderire passivamente al contesto. Le forme ceramiche evocano una “natura altra”: non la riproduzione del mondo naturale, ma una sua riformulazione. Steli, germinazioni e crescite spontanee sono attraversati da un’intenzionalità che ne altera la logica originaria. Ceramorphia non rappresenta la natura, ma ne mette in scena la trasformazione attraverso lo sguardo e l’azione dell’uomo, invitando a riflettere sulla condizione contemporanea: mai come oggi l’essere umano incide sui sistemi naturali, e mai come oggi ne appare così distante.

La personale che si tiene contemporaneamente, I’m a Gardener, è allestita nello spazio espositivo di OCA e presenta una selezione di dipinti e lavori su tela che esplorano il rapporto tra uomo e natura. Le superfici, attraversate da tensioni cromatiche e stratificazioni dinamiche, non descrivono il paesaggio, ma ne restituiscono l’energia vitale, tra crescita, collisioni e metamorfosi. Pittura e installazione si rivelano così due manifestazioni dello stesso nucleo creativo: un’indagine sulla forza generativa della vita e sulla necessità di riportare equilibrio e varietà negli spazi abitati dall’uomo.

Artista di fama internazionale, Quinze ha sviluppato una ricerca coerente sulla relazione tra natura e spazio antropizzato. Dopo gli esordi nella scena della Graffiti Art negli anni Ottanta, la

sua pratica si è evoluta attraverso grandi installazioni pubbliche e cicli pittorici presentati in musei e contesti internazionali. Al centro del suo lavoro vi è il giardino di fiori selvatici che circonda il suo atelier in Belgio, un laboratorio vivente osservato da oltre trent’anni secondo logiche autonome: è da questa immersione quotidiana nella biodiversità che nasce una pratica che trova in OCA un contesto ideale di confronto diretto con il paesaggio.

La mostra I’m a Gardener sarà accompagnata da un catalogo edito da Metilene.

Il percorso nella riserva

Con l’ingresso dell’opera di Arne Quinze, il percorso di OCA, articolato come itinerario che attraversa la riserva, si arricchisce di una nuova presenza internazionale, confermando il carattere dinamico e in continua trasformazione del progetto.

Il cammino tra boschi e radure offre l’incontro con opere che dialogano con il paesaggio in modi sorprendenti. Il Dynamo Pavilion di Kengo Kuma si insinua tra le piante come una folata di vento, mentre Nella terra il cielo di Mariangela Gualtieri e Michele De Lucchi intreccia poesia e architettura, in una riflessione su mito e memoria. Più avanti, Fratelli Tutti di Matteo Thun invita alla contemplazione tramite monoliti in pietra locale disposti in forma circolare, simbolo di unità e ciclicità della vita. Erosions di Quayola, composta da blocchi di pietra lavica lavorati da algoritmi generativi, mette in luce la tensione tra forza naturale e intervento tecnologico, mentre Self-regulation di Alejandro Aravena trasforma una struttura preesistente in un invito a ripensare le modalità dell’abitare. Completano il percorso Home of the World di David Svensson e la colorata Plastic Bags di Pascale Marthine Tayou, ormai parte integrante della collezione permanente.

Nel corso dell’estate, il progetto si arricchirà ulteriormente con due nuove opere. Il collettivo fuse* presenterà Vanishing Horizon, un’installazione in acciaio corten che rende percepibile la condizione limite dei buchi neri e il rapporto tra ciò che possiamo osservare e ciò che resta oltre. L’opera traduce in materia le traiettorie della luce vicino a questi fenomeni estremi, creando uno spazio attraversabile che invita il visitatore a confrontarsi con la soglia tra conoscibile e immaginabile.

A questa dimensione cosmica si affiancherà la nuova opera di Stefano Boeri, Deus Sive Natura – What I Believe, realizzata nell’ottocentesimo anniversario della morte di San Francesco d’Assisi. L’opera consiste in un inginocchiatoio in marmo bianco di Carrara lungo dieci metri, orientato verso l’orizzonte, che si inserisce nel paesaggio dell’Appennino come invito alla contemplazione. Non si presenta come un monumento, ma come un gesto minimo e universale: inginocchiarsi davanti alla natura, riconoscendola come interlocutore e trasformandola in un tempio panteista. Il progetto si ispira al Cantico delle creature di San Francesco, al credo laico What I Believe di J.G. Ballard e, più in generale, al panteismo spinoziano, secondo cui Dio e l’Universo sono la medesima sostanza immanente e necessaria.

Sotto la direzione artistica di Montibeller, OCA continua così a svilupparsi come un organismo vivo: ogni nuova installazione ridefinisce il ritmo del cammino, moltiplica le relazioni tra opera e paesaggio e rafforza l’esperienza immersiva che distingue il progetto.

OCA, che fa parte del network Grandi Giardini Italiani, sarà visitabile dal 25 aprile al 1 novembre 2026, dal giovedì alla domenica, ore 10.00 – 17.00. Per il solo mese d’agosto la visita si potrà fare anche il mercoledì, sempre nel solito orario. L’ingresso alla mostra è gratuito, mentre il percorso guidato nel parco ha un costo di 20,00 € (gratuito per i bambini fino ai 10 anni) e si può effettuare solo su prenotazione, agli orari consultabili sul sito web: www.oasycontemporaryart.com.

Al Centro Visitatori della riserva, sarà in funzione il ristorante bistrot Casa Luigi che, su prenotazione, offrirà proposte gastronomiche di assoluta qualità. I visitatori potranno usufruirne oppure godere del prato e degli spazi all’aperto.

Informazioni
OCA Oasy Contemporary Art and Architecture
Parcheggio per visitatori SP 633 n° 15, località Piteglio (PT)
Tel. 0573 1716197
Orario: 10.00 – 17.00
Ingresso mostra: gratuito
Ingresso percorso guidato nella riserva, solo su prenotazione: intero 20,00 €, bambini fino ai 10 anni gratuito
www.oasycontemporaryart.com

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